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Temáticas LGBT en la música

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Música LGBT
Orígenes musicales Ideológicamente
Temas lésbicos, gais, bisexuales, transgénero y queer • canciones de protesta • himnos gais
Musicalmente
Varias influencias
Orígenes culturales Años 1970, Reino Unido y Estados Unidos
Derivados

Géneros musicales
Disco, glam rock, homo hop (hip-hop), house (diva house, hardbag), hyperpop, queercore

Estilos de baile
Jacking, voguing, waacking
Escenas regionales
Cultura ball, Fiesta del circuito, Bar gay (Bar lésbico), Música de mujeres
[editar datos en Wikidata]

La música lésbica, gay, bisexual, transgénero y queer (LGBTQ o LGBT) es aquella que se centra en las experiencias de las minorías de género y sexuales[1][2] como producto del movimiento de liberación LGBT.

La música LGTB abarca todo el espectro de la música popular.[1][2] El lirismo y el contenido de las canciones suelen expresar la frustración, la ansiedad y la esperanza asociadas con las identidades sexuales y de género no normativas, ofreciendo a los grupos marginados una plataforma vital para la expresión.[3][4] Recientemente, la música popular ha «proporcionado un espacio donde las voces marginadas pueden ser escuchadas y las identidades sexuales formadas, desafiadas y renegociadas».[2] La música comercial ha comenzado a reflejar la aceptación del talento musical LGTB.[5][6] Algunos iconos queer se identifican abiertamente como tales y han realizado cambios impactantes en el mundo para las personas LGTB. Otros son aliados heterosexuales que han expresado su apoyo a la comunidad.

La música LGTB también puede referirse a música que no necesariamente aborda temas queer, o que es creada por compositores o productores queer, pero que es disfrutada por miembros de la comunidad LGTB independientemente de ello. Gran parte de la música creada por iconos queer heterosexuales se disfruta en espacios LGTB, con artistas como Judy Garland, Céline Dion, Janet Jackson, Donna Summer, Kylie Minogue, Madonna o Cher, entre otros. Algunos intérpretes, como Elton John y Lady Gaga, son destacados activistas de la comunidad LGTB; esta última ganó el GLAAD Vanguard Award en 2019 y agradeció públicamente a la comunidad LGTB por su desarrollo del género musical house en los Premios Grammy de 2023.[7]

Historia

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Los sexólogos alemanes de principios del siglo XX revelaron indirectamente que los homosexuales eran abundantes en el campo y la profesión de la música. Los tabúes asociados a la homosexualidad y la gran cantidad de homosexuales en la música en esta época llevaron al desarrollo de la idea de la música como un método de expresión que trasciende la vida ordinaria.[8]

Entre los primeros artistas queer negros se encontraban Ma Rainey[9] y Bessie Smith,[10] quienes grabaron canciones abiertamente lésbicas en la década de 1920, así como Little Richard a finales de la década de 1950,[10] con el éxito «Tutti Frutti» como una referencia homosexual, aunque lo suficientemente encubierta como para ser negada de forma plausible.[8]

En cuanto a la música clásica, el compositor estadounidense Leonard Bernstein mantuvo muchas relaciones homosexuales, a menudo con otros músicos y compositores, a pesar de estar en un matrimonio heterosexual.[11] Muchos artistas como Bernstein, Stephen Sondheim,[12] Jerome Robbins,[13] y Dimitri Mitropoulos se vieron obligados a ocultar sus identidades sexuales al público. El pianista estadounidense Liberace era famoso por estar «en el armario» y negó con vehemencia las acusaciones de homosexualidad hasta su muerte en 1987, llegando a demandar a un columnista del Daily Mirror por insinuar su sexualidad.[14] Aunque la industria del entretenimiento discute ahora más abiertamente el papel de la identidad de género tanto en la prensa como en las composiciones musicales, todavía hay reticencia por parte de muchos en el negocio a abogar por la aceptación LGTB.[15]

Broadway y teatro musical

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Broadway y el teatro musical han sido formas para que grupos de personas se expresen a través de la música, la danza y el drama. Como afirman Philip Brett y Elizabeth Wood, «el teatro musical ha sido un lugar especial para la identificación y expresión gay».[8] Muchas personas queer, pero particularmente los hombres gais, no solo son aficionados a Broadway, sino que a menudo intervienen en su producción y creación. Entre los hombres gais notables que participaron en la producción de espectáculos de Broadway figuran Cole Porter, Lorenz Hart, Noël Coward, Marc Blitzstein, Arthur Laurents, Leonard Bernstein, Jerome Robbins y Stephen Sondheim, por nombrar algunos. Las lesbianas también han contribuido a la producción de Broadway y el teatro, como la productora lesbiana Cheryl Crawford.[8] Con este impacto de los productores homosexuales, el teatro musical estuvo plagado de mensajes codificados para los artistas homosexuales desde el principio, pasando a tener temas abiertamente gais con musicales como Cabaret y A Chorus Line en las décadas de 1960 y 1970. Los musicales empezaron a centrarse en la crisis del VIH/sida en los años 90, sobre todo con Falsettoland y RENT. También fueron populares otros musicales con personajes abiertamente trans, como The Rocky Horror Picture Show y Hedwig and the Angry Inch.[8] Los musicales centrados en el drag o en las drag queens siguen siendo populares hoy en día, como Kinky Boots.

Cronología

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Década de 1970 y anteriores

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Nacidas en Europa y trasladadas a Estados Unidos, las discotecas eran clubes de baile donde la música pregrabada, y no la música en directo, era el centro de atención. El concepto y la cultura de la música disco, originarios de Francia y Alemania durante la Segunda Guerra Mundial (donde los jóvenes se reunían en sótanos para bailar swing estadounidense, ya que los nazis habían prohibido el jazz, el bebop y el jitterbug), llegaron a Estados Unidos a finales de los años sesenta y principios de los setenta.[16] Afroamericanos, gais y latinos que anhelaban algo distinto a la música rock se reunían en estos clubes, en ciudades como Nueva York, Filadelfia y Miami. En estos clubes, «la música disco se convirtió en el pulso de la liberación gay dentro y fuera de la pista de baile en la década de los 70, después de Stonewall y antes del sida».[8] En años posteriores, la popularidad masiva y la integración de esta contracultura en la cultura dominante reflejaron «una infusión más de la subcultura homosexual en la corriente principal cultural».[8]

La revolución sexual y las revoluciones asociadas de la década de 1960 empezaron a atraer la atención del gran público hacia la contracultura, lo que permitió que las mujeres, los negros y las minorías LGTB fueran reconocidos y tratados como seres humanos. En estas revoluciones, el género y la sexualidad se volvieron menos rígidos y más fluidos, como demuestran las actuaciones de músicos como Freddie Mercury,[9][10] David Bowie,[10] Grace Jones y Prince.[17]

Las culturas del disco, el glam rock y la música industrial ofrecieron multitud de plataformas de expresión para las personas con géneros y sexualidades no conformes a lo largo de la década de 1970. Para la comunidad queer, la música disco fue un puente entre personas de todos los orígenes a través de una expresión del cuerpo. La música disco no solo era musical, sino también cultural, y permitía a la gente formar comunidades.[18] El «pluralismo disco» propició en parte la inclusión de diferentes perspectivas en el género, creando así una categoría de música representativa de las identidades interseccionales de los oyentes queer, como la raza o el estatus socioeconómico.[19]

La música disco fue prácticamente exclusiva de los clubes clandestinos durante la mayor parte de la década hasta que, en 1977, la película Saturday Night Fever la impulsó al gran público. Tras el éxito de la película, la música disco obtuvo unos ingresos de entre 4000 y 8000 millones de dólares y promedió entre el 20 y el 40 por ciento de las interacciones en la lista Billboard (1979).

Aunque los cimientos de la música disco residen en la inclusividad, tras el éxito de Saturday Night Fever, su éxito comercial provocó que el género pasara de estar formado predominantemente por personas negras y queer a que los estadounidenses blancos se aseguraran un lugar en la esfera del género. La afluencia de estadounidenses blancos de clase media-alta que tuvieron éxito en la música disco provocó que varias personas queer mostraran animadversión hacia el género, al creer que su éxito capitalista alejaba a la música disco de lo que la hacía culturalmente revolucionaria.

La música disco siguió siendo popular en la comunidad queer incluso con el aumento de las críticas sobre cómo obtenía su éxito. Autores como Richard Dyer, de The Gay Left, publicaron literatura en apoyo de la música disco que la comunidad queer pudo respaldar.

En los estudios sobre la música disco y géneros afines, la mayoría de las investigaciones se centran en los hombres blancos y gais que participaron en ella, mencionando a veces brevemente a las «divas de la música disco» o a las mujeres negras que participaron en ella. A pesar de que la música disco fue fundamental para formar diferentes formas de ver las identidades marginadas, específicamente la feminidad, la negritud y la homosexualidad, la mayoría de los estudios se centran en el grupo menos marginado de estos colectivos a la hora de realizar investigaciones.[18]

La música disco no fue el único elemento popular de la música LGTB en la década de 1970; tras Stonewall, se produjo la aparición de cantautoras lesbianas, feministas e identificadas con las mujeres. Eventos como los festivales de música solo para mujeres y los cafés solo para mujeres promovieron esta música, y muchos de estos espacios eran de separatismo feminista o lésbico.[8] Aunque no ocurrió en los años 70, uno de los festivales de música de mujeres más famosos entró en controversia en los años 90, cuando se pidió a la mujer trans Nancy Jean Burkholder que abandonara el festival. El festival citó su política de «mujeres nacidas mujeres» con respecto a esta decisión, y se encontró con mucha controversia en los años siguientes.[20]

La escena del glam rock incluyó a numerosos músicos bisexuales, como Freddie Mercury de Queen,[9] Elton John y David Bowie.[10] Claudia Perry, de Medium, consideró que «el glam rock era una especie de paraíso queer. Ver a Mick Ronson y Bowie jugueteando en el escenario daba esperanza a todos los niños queer del mundo. La extravagancia de John también fue un gran consuelo. Marc Bolan, de T. Rex, sigue siendo objeto de especulaciones (un amigo que trabajó en Creem recuerda que se insinuaba a casi todo el mundo cuando pasaba por Detroit, pero esto claramente no es definitivo)». El glam rock también ayudó a normalizar la moda andrógina.[21] Tim Bowers, de The New York Times, recuerda que «las voces del glam tenían una teatralidad afrutada, apoyando letras que se presentaban como un alarde: «Tu madre no sabe si eres un niño o una niña». El glam era butch y femme a la vez: bisexualidad en el sonido».[22] Jobriath, la primera estrella del rock abiertamente gay, también formó parte de la escena del glam rock.[23]

The Rocky Horror Show, una obra de 1973 que más tarde se adaptó a la película The Rocky Horror Picture Show, fue una pieza fundamental de los medios LGTB en la década de 1970 y su banda sonora fue principalmente glam rock. Se ha señalado que la obra ayudó a popularizar el género.[24] Una canción del espectáculo, «Sweet Transvestite», fue destacada como «la primera gran aria de glam rock del musical» en el libro Trans Representations in Contemporary, Popular Cinema. El mismo libro menciona que el glam rock «fue una queerización (o camping) del género de la música rock».[25]

El musical Hedwig and the Angry Inch, de 2001, también utilizó el glam rock para contar la historia de una cirugía de afirmación de género fallida.[26]

Década de 1980

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La década de 1980 vio una mayor exposición de la cultura LGTB en las bandas, concretamente la flexibilidad de género y el travestismo, en la industria musical con artistas como Culture Club, The B-52's, Soft Cell, Visage, Frankie Goes to Hollywood, Pet Shop Boys, Dead or Alive, Erasure y la drag queen Divine.

Existía una gran comunidad queer en la música electrónica y de baile durante los años 80. Estos géneros musicales se pinchaban a menudo en clubes queer clandestinos de muchas ciudades, como Los Ángeles y Nueva York, y en el movimiento subcultural New Romantic de finales de los 70 y principios de los 80, que dio origen a los Blitz Kids en Londres.

Los vídeos musicales empezaron a aludir a las relaciones LGTB, como «Smalltown Boy» de Bronski Beat, «Elton's Song» de Elton John, «Relax» de Frankie Goes to Hollywood y «Vogue» de Madonna.[10]

Los iconos gais de esta década incluyeron a Cyndi Lauper, Grace Jones, Morrissey, George Michael, Loleatta Holloway, Douglas Pearce, Whitney Houston, Bob Mould, Melissa Etheridge y el líder de Judas Priest, Rob Halford.[9]

La cultura disco de los años 70 y 80 está directamente asociada a los músicos queer. La fluidez sexual y de género se había vuelto cada vez más visible, lo que permitió que artistas como David Bowie,[10] Freddie Mercury,[9][10] y Prince existieran de formas únicas que desafiaban los límites del género y la sexualidad. El vídeo musical de Bowie de 1979 para «Boys Keep Swinging» ofrece un ejemplo influyente de androginia en la música. En este vídeo, Bowie viste atuendos tradicionalmente masculinos, representándose a sí mismo como excepcionalmente macho mientras se muestra inexpresivo. Continúa con un tono inexpresivo en el vídeo cantando monótonamente sobre las ventajas que experimentan los hombres derivadas del patriarcado («puedes llevar uniforme», «aprender a conducir y todo eso» y «la vida es un estallido de cereza cuando eres un chico»). El tono constantemente aburrido del vídeo crea una sensación de ironía, reforzada por los cortes de cámara a Bowie vestido de drag, lo que confunde aún más al espectador sobre la identidad de género de Bowie. Al final del vídeo, en tres ocasiones, Bowie camina por una pasarela vestido de mujer; al final del todo se limpia el lápiz de labios rojo brillante en el brazo, representando su incomodidad con la identidad femenina junto con su homóloga masculina. La ambigüedad y fluidez de estos artistas ayudó a crear un espacio seguro para las personas queer.

También fue popular dentro de la comunidad LGTB la música de baile post-disco, como el Eurodisco, el Italo disco, el house, el Hi-NRG y el freestyle latino. Durante la década de 1980, esta música se hizo más frecuente en Estados Unidos y los artistas LGTB ganaron importancia. El DJ Larry Levan comenzó su carrera en la discoteca gay Paradise Garage.

En Argentina, la banda de New wave Virus, liderada por el cantante Federico Moura, hacía referencias a la cultura de los hombres gais de los 80, como el cruising, la prostitución masculina y las fiestas clandestinas; y Moura mostraba una personalidad escénica extravagante y sexualizada que provocó una reacción homófoba por parte de gran parte de la cultura del rock argentino de la época. En esa década también despegó la carrera de varias mujeres no heterosexuales, como Marilina Ross, Sandra Mihanovich y Celeste Carballo. Ross escribió el himno lésbico «Puerto Pollensa», que fue popularizado por Mihanovich en 1981-1982. En 1984, Mihanovich grabó una versión en español de «I Am What I Am» titulada «Soy lo que soy», que también se convirtió en un popular himno LGBT en Argentina. Mihanovich y Carballo se unieron más tarde como dúo pop y publicaron el álbum Somos mucho más que dos en 1988.

Década de 1990

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El sencillo de Blur de 1994 «Girls & Boys» fue un éxito que exploró temas de androginia y pansexualidad.[27] La música lesbiana Melissa Etheridge utilizó el éxito de su canción «Come to My Window», popular entre el público lésbico, para hacer campaña a favor de las uniones del mismo sexo y los derechos parentales LGTB.[28]

En 1990, las cantantes argentinas Sandra Mihanovich y Celeste Carballo (que también eran pareja sentimental) publicaron su segundo y último álbum de estudio como dúo pop, Mujer contra mujer. El disco es celebrado como un hito en la visibilidad lésbica en Argentina y se ha convertido en un símbolo para la comunidad LGTB local.

En la década de 1990 se produjo un aumento de las leyes a favor del colectivo LGTB y de artistas que condenaban la homofobia en su música. Grupos como Placebo, Alcazar, Right Said Fred, Maná y otros se unieron a las filas de aliados y músicos LGTB. Bandas como Pansy Division y Tribe 8 lideraron la rama queercore del hardcore punk que ayudó a consolidar las artes LGTB en la década.[29] Robby Reverb, miembro de la banda punk gay mOral SeX, grabó también música rock y country, incluyendo «Accept It», escrita por el poeta gay Drew Blood.

Década de 2000

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En la década de 2000, la música LGTB se ramificó en su propio género, y nuevos artistas como Lady Gaga, Christina Aguilera, Will Young, Scissor Sisters, The Gossip, RuPaul, Mika, Dario, Adam Lambert, Lauren Jauregui, Sakima, Dawnstar, Neon Trees y Miley Cyrus apoyaron una industria en crecimiento, difundiendo el mensaje de igualdad y positividad.[30][31][32]

Década de 2010

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La cantante de música country Chely Wright enfrentó amenazas de muerte y una disminución en las ventas de sus discos tras salir del armario en 2010.[33] Realizó Wish Me Away, un documental sobre su experiencia, que ganó varios premios importantes en 2012, incluyendo trofeos del Festival de Cine de Los Ángeles, el Festival LGBT de Seattle y el Tallgrass Film Festival.[34] En 2012, una cantante y guitarrista del grupo Against Me! salió del armario como mujer trans y cambió su nombre a Laura Jane Grace.[34] Artistas abiertamente gais como Tegan and Sara ganaron popularidad; el dúo produjo un jingle publicitario a favor de la tolerancia para Oreo en 2014.[35]

Las plataformas de redes sociales como YouTube, Tumblr e Instagram establecieron nuevas formas para que los artistas queer compartieran su música. Estos sitios permiten a los artistas subir su música por su cuenta sin necesidad de un sello discográfico. Los sellos discográficos a veces pueden impedir que los artistas lancen música que detalle su experiencia queer.[36] En 2013, un año antes de lanzar su EP debut TRXYE, Troye Sivan publicó un video de salida del armario en su canal de YouTube.[37] Este video permitió a Sivan compartir su identidad sin arriesgar su incipiente carrera musical. Desde entonces, Sivan ha logrado un gran éxito y se ha consolidado como un artista prominente en la música queer. Durante muchas décadas, a los artistas queer se les dijo que si salían del armario, sus carreras terminarían. Las funciones de autopublicación de las redes sociales han permitido a los artistas queer compartir su música mientras son abiertos sobre sus identidades sin tener que arriesgar sus carreras.[36]

Década de 2020

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En años recientes, ha habido un aumento de músicos de country que viven sus identidades queer públicamente. Algunos pueden ver esto como el mayor cambio en la industria musical, debido al hecho de que los artistas de country en el pasado han sido mayoritariamente hombres blancos y heterosexuales.[38] A día de hoy, algunos de los artistas más importantes son músicos de country abiertamente queer. Por ejemplo, Lil Nas X se convirtió en una sensación cuando lanzó su rap country «Old Town Road», que se volvió viral en la aplicación de videos cortos TikTok.[39] Desde que se hizo famoso, Lil Nas X ha utilizado su plataforma para elevar la representación gay y se ha hecho un espacio en la industria musical como un mesías sin remordimientos para la joven generación queer de hoy.[10][40] Este aumento de la representación en la industria de la música country ha traído otros nombres a la escena. La música country cuenta ahora con Trixie Mattel, drag queen y música estadounidense, así como con Orville Peck, músico de country sudafricano, como artistas revelación en este género musical que antes podría no haberlos aceptado. Junto a estos músicos de country abiertamente queer, también ha habido un mayor número de artistas de country que apoyan a la comunidad LGBT. Artistas como Garth Brooks, Carrie Underwood, Tim McGraw, Kacey Musgraves y Maren Morris se han presentado como aliados de esta comunidad.[41]

En los últimos años, el panorama político en muchos países ha cambiado con respecto a las identidades queer. Un factor determinante de este cambio son los artistas queer que utilizan su música y sus plataformas para seguir abogando por los derechos queer. Muchos artistas exitosos han logrado un gran triunfo rompiendo las normas de género y sexuales.[42] Artistas como Prince, David Bowie,[10] Cher y Madonna han incorporado la transgresión de género en su música y actuaciones para desdibujar las líneas entre las ideas clásicas de género y sexualidad en las artes escénicas.[43][44]

La música LGBT se ha vuelto más extendida, con más artistas queer lanzando música que detalla la experiencia queer. Los artistas queer comparten sus experiencias personales a través de su música, lo que ha ayudado a crear espacios en la industria musical para que los oyentes LGBT se sientan escuchados y con los cuales identificarse.[36]

Artistas LGBT

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La música popular siempre ha incluido a artistas LGBT, y la creciente tolerancia social de finales del siglo XX y principios del XXI ha permitido que más artistas de este tipo salgan del armario públicamente.[45][46] Los primeros ejemplos de esto surgieron con el movimiento de liberación sexual, con artistas como Sylvester,[47] Tom Robinson,[47] Janis Ian,[47] Boy George,[47] y otros.

Muchos músicos abiertamente LGBT han tenido éxito. Elton John, por ejemplo, logró el sencillo más vendido en Billboard de la década de 1990 («Candle in the Wind 1997»), permaneciendo en el número 1 durante 14 semanas.[48] Will Young lanzó «Anything is Possible»/«Evergreen», y esta canción fue el sencillo más vendido de la década de 2000.[49] El cantante de country Ty Herndon salió del armario como gay en 2014, después de tres éxitos número uno en Hot Country Songs de Billboard.[50] En las décadas de 2010 y 2020, innumerables otros músicos de diversos géneros, como Lil Nas X[10][51] con la música country, Sam Smith,[52] Troye Sivan,[53] y Hayley Kiyoko[54][10] con la música pop, y girl in red[55] y Dodie[56] con la música indie, han alcanzado la fama y sus canciones han llegado a nuevas alturas en Billboard.

Música orientada a lo LGBT

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La banda británica The Kinks aludiría tanto a personas gais como trans en algunas de sus canciones más exitosas.

La revolución sexual y los orígenes del rock and roll llevaron a una nueva apertura sobre la sexualidad en la música rock y pop de la década de 1960. El principal exponente de esta tendencia fue la banda británica The Kinks, cuyos seguidores incluían a muchas figuras de las comunidades gay y trans de Londres.[57] El cantante y compositor principal, Ray Davies, afirmó ante la prensa que la canción «See My Friends», éxito de la banda en 1965, trataba sobre la homosexualidad, sobre la incertidumbre que sentía en su juventud respecto a su identidad y que una vez le dijo a su esposa: «Si no fuera por ti, sería queer».[58] Dos años más tarde, la banda grabó «David Watts», sobre un amigo de la escuela gay de Davies a quien admiraba. La canción aludía a la sexualidad de Watts con frases como «él es tan gay y despreocupado» y «todas las chicas del barrio intentan salir con David Watts, pero no lo logran», con Davies confirmando nuevamente de forma pública a los periodistas la naturaleza homosexual de la canción.[59] La canción LGBT más prominente de The Kinks fue su sencillo de 1970 «Lola». Fue un éxito tanto en la UK Singles Chart como en el Billboard Hot 100 estadounidense; aunque Davies y su compañero de banda, Mick Avory, habían frecuentado bares transexuales de Londres, la canción hace referencia explícita a un travesti (llamada Lola en la canción) a quien Davies había visto bailar una noche con el mánager de la banda. El tema de la canción era notablemente más explícito que las canciones LGBT anteriores de los Kinks, confirmando el sexo biológico de Lola con la frase «Me alegro de ser un hombre y Lola también». Esto llevó a que la canción fuera vista como controvertida, con indignación en la prensa, emisoras de radio prohibiéndola y otras insistiendo en que se editara o se desvaneciera antes de que se revelara el sexo biológico de Lola. Davies volvió a abordar el tema públicamente, afirmando: «Realmente no importa qué sexo sea Lola, creo que ella está bien».[57][60]

Otro de los primeros sencillos en el top 40 de Estados Unidos en presentar una descripción positiva de la comunidad LGBT fue la canción de 1972 «Walk on the Wild Side» del roquero bisexual Lou Reed, que detallaba las vidas de miembros gais, bisexuales y trans del círculo social de Andy Warhol.[61] David Bowie también llamó la atención sobre situaciones no heteronormativas con éxitos como «Rebel Rebel».[62] El éxito de Tom Robinson de 1978 «Glad to Be Gay» se convirtió en un himno del punk al denunciar el maltrato del Reino Unido hacia sus ciudadanos gais.[63]

Tyler the Creator y Frank Ocean en Coachella en 2012

En el pasado, los videos musicales se han utilizado como una forma de representar las relaciones LGBT. El video de «Elton's Song» de Elton John, aunque líricamente sin género, representa a un colegial enamorado de un chico mayor. Elton John dijo a Rolling Stone que era «la primera canción gay que grabé como una canción homosexual».[64] El tema del amor gay de un colegial causó controversia, inspirando titulares de tabloides como «El choque del video gay de Elton». Otros, incluso cuando las letras de la música no los discutían explícitamente, como en «Physical» de Olivia Newton-John, que presenta a Newton-John en un leotardo ajustado tratando de hacer que varios hombres con obesidad pierdan peso. Los hombres fallan de manera cómica y Newton-John sale de la habitación para ducharse. Cuando los hombres hacen ejercicio por su cuenta, de repente se transforman en hombres musculosos y atractivos. Newton-John se sorprende al regresar y comienza a coquetear con ellos. Dos de los hombres salen secretamente tomados de la mano, lo que implica que son gais. Esto sorprende a Newton-John, al igual que la vista de otros dos hombres saliendo abrazados, y el video musical de Madonna para su canción «Vogue».[65] Desde entonces, se han utilizado para expresar la sexualidad de los artistas.

Las letras de las canciones también han sido utilizadas por artistas LGBT como una herramienta para expresar su identificación. El álbum de 2012 de Frank Ocean, Channel Orange, tiene canciones románticas que utilizan pronombres masculinos al describir a su interés amoroso.[66][10] Hayley Kiyoko, apodada «Jesús Lesbiana» por sus fans, dejó clara su orientación sexual al público con el lanzamiento de su canción de 2015 «Girls Like Girls».[10][67] En 2016, el video musical de FLETCHER para su canción «Wasted Youth» se presenta a sí misma con un interés amoroso femenino.[68] En abril de 2018, Janelle Monáe[69] salió del armario como pansexual[10] con su álbum Dirty Computer,[66] y lanzó la canción «Make Me Feel»; el video musical detalla la atracción de una mujer hacia dos asistentes a un club. Las relaciones LGBT también se han representado en los videos musicales de músicos heterosexuales, consolidando aún más sus posiciones como aliados queer. El video musical de Carly Rae Jepsen para «Call Me Maybe» presenta personajes masculinos gais.[65] En 2017, la youtuber y cantautora Dodie Clark lanzó su canción «I'm Bisexual - A Coming Out Song» para anunciar a su base de fans que era bisexual.[70]

Los aliados heterosexuales y cisgénero también han producido música orientada a lo LGBT. El artista de country Phil Vassar lanzó la canción «Bobbi with an I» en 2009, que utiliza una narrativa humorística para fomentar la aceptación de las personas transgénero. El cantautor Hozier lanzó la canción «Take Me to Church», cuyo video musical se centró parcialmente en la homofobia basada en la religión.[71] «1-800-273-8255», una canción interpretada por Logic y Alessia Cara, trató sobre la homofobia y el dolor que esta provoca.[72] Macklemore & Ryan Lewis se unieron a Mary Lambert para crear «Same Love», una canción sobre el matrimonio entre personas del mismo sexo que se centró en el mensaje de que el amor lo conquista todo.[10][73] El video musical del sencillo de Avicii «Silhouettes» representa a una persona sometiéndose a una cirugía de reasignación de sexo.[74]

Algunos artistas que fueron percibidos como heterosexuales cuando lanzaron canciones que representaban la bisexualidad femenina han sido criticados por artistas abiertamente LGBT por su representación de las mujeres bisexuales. La canción de 2008 de Katy Perry «I Kissed a Girl» y la canción de 2018 de Rita Ora «Girls» exploran las relaciones entre mujeres, pero han sido acusadas de ser «insensibles» a las necesidades de la comunidad LGBT.[66] La canción de Perry fue criticada por su uso del queerbaiting. La canción ha sido reprochada por sugerir que lo queer es una «fase experimental», lo cual es inexacto para la mayoría de las personas LGBT.[42] El video musical de «I Kissed a Girl» emplea la fetichización de las mujeres bisexuales a través del comportamiento arriesgado de Perry a lo largo del video, lo que conduce a la objetivación de las mujeres queer.[42] Ambas canciones han sido revaluadas en los últimos años, ya que ni Rita Ora ni Katy Perry se identificaban como heterosexuales; no obstante, Perry ha sido abrazada abiertamente por muchos en la comunidad LGBT, y posteriormente se identificó como sexualmente fluida.[75][76][77] Ora ha reconocido y comprendido que «la gente lo vio, porque no conocían [su] experiencia, como si estuviera usando la cultura», y dijo que el período posterior a la crítica fue «bastante oscuro».[77] Perry ha dicho que su retrato de la bisexualidad en la canción está anticuado y que siente que «realmente hemos cambiado, en cuanto a la conversación, en los últimos 10 años» y que «la bisexualidad no se hablaba tanto en ese entonces, ni ningún tipo de fluidez».[78] Sin embargo, no cree que la canción tuviera cabida en el panorama pop actual y ha dicho: «Si tuviera que escribir esa canción de nuevo, probablemente le haría una edición», porque «líricamente, tiene un par de estereotipos».[78]

Lady Gaga ha logrado un éxito comercial significativo y ha influido en la industria musical al aumentar la conciencia sobre lo queer en la música pop.[36] La canción de Gaga de 2011 «Born This Way» ha sido llamada un himno LGBT por su mensaje de amor propio.[10][79] Con «Born This Way», Gaga pudo promover la inclusión y la autoaceptación al celebrar a la comunidad queer.[10] La canción ha ayudado a muchas personas queer a abrazar y celebrar sus sexualidades.[36] El cantante y actor Christian Chávez utilizó su canción «Libertad» para tomar una postura a favor de los derechos gais y la libertad sexual.[34] La música de Troye Sivan ha sido muy aclamada por su sensación auténtica de música gay millennial, experimentando con el pop chill y el activismo en temas como «Heaven», «Bloom» y «My My My!».[80]

Jess Young aporta su pansexualidad a su música. Su sencillo debut «Champagne & Caviar» trata sobre eso. El segundo verso fue escrito originalmente como «el único fuego está en su oscuridad, la forma en que parpadea cuando me la chupa», y ahora es «él» porque a su novia de aquel entonces le gustaba que se refirieran a ella con el pronombre masculino, y estaba saliendo con un chico cuando volvió a grabar.[81]

Himnos LGBT

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En 2012, la revista LGBT The Advocate nombró a Madonna como el mayor icono gay de la música.[82]

Un «himno LGBT» es una canción popular que se ha vuelto ampliamente conocida entre la comunidad gay, o que ha llegado a identificarse con ella. No todas las canciones etiquetadas como «himnos LGBT» fueron escritas intencionadamente para convertirse en tales, pero aquellas que lo logran suelen estar marcadas por temas de perseverancia, fuerza interior, aceptación, orgullo y unidad.[83] Una investigación de 2007 sugirió que la canción identificada con más frecuencia como un himno LGBT es «I Will Survive» de Gloria Gaynor, describiéndola como «un emblema clásico de la cultura gay en las eras posterior a Stonewall y del sida».[84][85]

Otros himnos LGBT incluyen «Strong Enough» de Cher,[86] «Y.M.C.A.» de Village People,[87][88] «It's Raining Men» de The Weather Girls,[89][90] «I'm Coming Out» de Diana Ross[85] y «Dancing Queen» de ABBA.[83]

Temas

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Mel B fue mostrada besando a otra mujer en su video de «For Once in My Life», lo que ha llevado a que esta canción sea considerada un himno de la comunidad gay.

Aunque cada canción es individual, los criterios para lo que constituye un himno LGBT han mostrado una tendencia a lo largo de los años. En el libro de 2002 Queer, se enumeraron los siguientes diez temas principales que son comunes entre muchos, si no todos, los himnos LGBT:[89][83]

  • Divas de gran voz: Más que algo particular de las canciones, esta área de los himnos LGBT se asemeja más a un culto a la personalidad de un gran seguimiento de hombres gais hacia ciertas vocalistas de música pop con estilo de «diva», quienes son casi siempre iconos gais femeninos. Por ejemplo, Gloria Gaynor y Céline Dion.
  • Superar las dificultades en el amor: Usualmente una narrativa de un amante agraviado que regresa con más fuerza que antes. Por ejemplo, «I Will Survive».
  • No estás solo: Canciones sobre unirse como comunidad o de reafirmación para los solitarios de que hay otros como ellos allá afuera. Por ejemplo, «We Are Family».
  • Olvida tus preocupaciones: Una narrativa despreocupada sobre dejar de lado los problemas y salir de fiesta. Por ejemplo, «Holiday».
  • Autoestima ganada con esfuerzo: El tema implica luchar a través de la opresión, la oscuridad o el miedo para ganar libertad, belleza o autoestima. Por ejemplo, «The Greatest Love of All» cantada por Whitney Houston.
  • Celebrar la sexualidad sin vergüenza: El tema trata de trascender la vergüenza cultural para celebrar la naturaleza sexual de uno mismo. Por ejemplo, «It's Raining Men».
  • Búsqueda de aceptación: Canciones sobre una tierra prometida acogedora donde vive el sueño de la aceptación, la pertenencia y la esperanza. Por ejemplo, «Somewhere (There's a Place for Us)» de West Side Story.
  • Canción de antorcha para los cansados del mundo: Una narrativa sobre ser usado, abusado y sobrevivir para contar la historia del lamento. Por ejemplo, «Maybe This Time».
  • El amor lo conquista todo: Historias sobre no rendirse en el amor a pesar de las probabilidades aparentemente insuperables.
  • Sin disculpas: El tema gira en torno a vivir la vida de forma desafiante a pesar de lo que otros puedan querer. Por ejemplo, «I'm Coming Out».

Orígenes de los himnos LGBT

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A lo largo de la primera década del siglo XXI, las canciones populares que encabezaban las listas se convirtieron en un «refugio de apoyo inequívoco a los derechos de los gais» en un momento en que el apoyo legal para los derechos LGBT en los Estados Unidos estaba rezagado. Incluso antes del lanzamiento de su sencillo, Elton John predijo que «Born This Way» de Lady Gaga reemplazaría al clásico himno LGBT de Gloria Gaynor, «I Will Survive».[85][83] La organización benéfica de derechos LGBT del Reino Unido, Stonewall, nombró a «Beautiful» de Christina Aguilera como la canción más empoderadora de la década de 2000 para las personas LGBT.[91][92]

Premios OUTMusic

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Desde 2001, el programa estadounidense de los Premios OUTMusic ha funcionado como una ceremonia anual de premios LGBT que refleja a los Premios Grammy. OUTMusic Inc., una organización 501(c)(3) fundada en 1990 por Michael Biello y Dan Martin, fue refundada como la Academia LGBT de Artes de la Grabación por Diedra Meredith en 2007.[93] Los premios tienen como objetivo reconocer a algunos de los artistas LGBT que han realizado contribuciones significativas a la industria musical.[94][95]

Véase también

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Referencias

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Enlaces externos

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