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J'ai beaucoup apprécié, c'est un album d'une rare beauté, douceur et sensualité.
L'interview en fin d'album est touchant, une excellente idée qui complète grandement l'œuvre et donne envie de se replonger au plus vite dans la lecture.
Avec "L'Apprentie Geisha", Kazuo Kamimura fait honneur à la tradition Japonaise des Geishas pour en comprendre le fondement, les origines, mais aussi le fonctionnement de ce rôle atypique de la culture Japonaise, toujours difficile à appréhender par la population occidental ; les Geishas sont souvent réduites à l'idée d'une forme d'escort haut de gamme, alors qu'il y a bien plus de nuances dans ses fondements. Les Geishas sont avant tout la mémoire culturelle et d'artistique d'un pays, qui louent chacune leurs services à un protecteur qui choisira en partie leur dessein et laisse entendre une forme de soumission. Au delà de l'aspect charnel, l'approche est plus profonde ; c'est l'impression que laisse Kazuo Kamimura d'après ses descriptions.
Loin d'être l’œuvre de Kamimura qui m'a le plus touché graphiquement en comparaison du magnifique "Lorsque nous vivions ensemble" (3 tomes) ou de l'envoutant "Le Club des Divorcés" (2 tomes), ce one-shot reflète plutôt une culture de l'art japonais et d'une époque particulière ; le seinen est, dans sa construction, plus proche du "Fleuve Shinano" (3 tomes) du même auteur (mais qui m'a moins plu).
"L'apprentie Geisha" reprend des moments de vie dans le parcours de la jeune O-Tsuru, au départ Shikomikko dans la maison Matsunoya, puis Geisha quelques années plus tard dans la même maison. Un ton dramatique parcours le one-shot avec des moments particulièrement difficiles (pendaison d'une shikomikka, aspect autoritaire de la maitresse de maison, acception de faveurs sexuelles d'un protecteur) qui nous plonge dans le quotidien de ces femmes.
Cependant le récit est trop décousu à mon gout avec des chapitres qui ne se lient pas forcément entre eux dont certains restent trop anecdotiques et dont l'attachement au personnage de O-Tsuru, une femme distante émotionnellement n'a pas fonctionné pour moi dans la lecture.
Graphiquement, Kazuo Kamimura essaye de faire des efforts pour changer de morphologie ses personnages, mais on retrouve toujours le même style de femme dans son dessin, ainsi O-Tsuru ressemble beaucoup à Kyoko ("Lorsque nous vivions ensemble"), Yuko ("Le Club des Divorcés") ou Yukié ("Le Fleuve Shinano"); un défaut récurrent dans les œuvres de Kamimura. L'auteur joue également moins avec les cases, les saisons et les fleurs bien que présentes ne font pas l'objet d'une attention particulière. Le style et surtout l'atmosphère style "Kamimura" sont moins présents que dans ces autres œuvres.
Et si la machine était synonyme de perfection, c'est ce qu'essaye de démontrer "Faisons l'homme à notre image" par De Angelis et Saudelli au travers de 4 histoires courtes plus ou moins réussis.
Si on se laisse facilement transporter par l'idée que la machine remplacera un jour l'homme, le lecteur contemporain verra une certaine dissonance avec le monde actuel, les dialogues et l'approche semblent surfaits, le propos désuet et dépassé. A notre époque du XXI ème siècle, où les IA génératives sont florissantes et autres robots se proposent comme candidats au poste d'intendant dans les chaumières.
Nous avons une BD divertissante qui fantasme (avec des pin-ups à la plastique parfaites) plus qu'elle n'interroge le lecteur, cela dévie le message que les auteurs pourrait faire passer autour de la technologie et de l'évolution. Je dois reconnaitre que la dernière histoire est sympathique et questionnante.
Un aspect moins humoristique et qui poserait les bonnes questions aurait surement permis une meilleure entrée en matière.
« Thor, le roi dévoreur » est un authentique chef d'œuvre dans sa première partie avec une prolongation habile de l'Histoire de Galactus qu'on découvre sous l'emprise d'un être encore plus puissant encore et un twist brillant faisant de Thor une super entité cosmique capable de tuer Galactus après avoir été fugitivement son héros.
Cette histoire épique « larger than life » appelant par instant Thanos et le Surfer d'Argent noirci peut légitimement prétendre à l'élite de Marvel, même si ce Thor omnipotent surgonflé peut parfois agacer.
La seconde partie du récit mettant en avant l'alter ego du dieu du tonnerre en version invincible et revancharde est nettement moins inspirée et on se lasse assez vite de tous les Thor de seconde zone comme l'affreux Beta Ray Bill et la ridicule grenouille Throg.
Moins bien dessinée également par Kuder, cette seconde partie plombe la première, formidable.
Dommage donc pour l'unité d'ensemble.
Plus d'informations sur ce lien :
https://lediscoursdharnois.blogspot.com/2026/07/thor-le-roi-devoreur-donny-cates-nick.html
L'album est bon mais sans plus quoiqu'il augure une suite mais qui ne sera pas dans le tome 8.
Perso j'aime moins les dessins que ceux d'autres tomes,
Après c'est un peu comme certaine série Tv j'aime quand on sait que la fin a déjà été écrite et ici on sens bien que les auteurs tentent de rentabiliser le projet au maximum en enchaînant les sorties. Je me demande si je ne commence pas a me lasser.
Une histoire envoûtante mêlant la tendresse, l'émotion, la naïveté, la mélancolie, la tristesse et le désenchantement, le tout porté par le dessin ondulant et très personnel de Renaud Dillies, qui personnellement me plaît beaucoup. Les dialogues sont succulents et les personnages fortement attachants (les bons) ou au contraire carrément abjects (les méchants).
ABELARD est un poignant conte philosophique, presque une sorte de "Candide ou l'Optimisme" animalier. Le rire n'est jamais loin des larmes, et inversement. La lecture est un pur enchantement. Bravo aux auteurs !
Certes les personnages sont bien construits et le déroulement parfaitement logique. Certes, la narration possède de vraies tensions, n’a jamais de ventre mou et se clôture avec maestria. Certes les dessins sont superbes, les cases simples pour que l’histoire soit privilégiée à l’illustration et les planches sont modernes…
Sauf que je n’y crois pas une seconde.
Je crois qu’un ado s’est fait piqué par une araignée et, depuis, porte des leggings rouge et bleu pour grimper sur les murs. Mais cette histoire d’arbres génocidaires par deux fois, je n’y crois pas une seconde.
Des arbres qui cachent leurs ADN aux humains (ils sont trop forts) dès qu’il y a un qui pointe son bout du nez à côté d’eux …Sauf que, il y a un qui n’a pas eu le temps de faire cache-cache (il a pris la foudre et c’est quand même pas du bol.) et, donc, on sait désormais (en 24h) que le savant fou était pas si fou que ça. Sauf que, trop tard, bien sûr, on va tous mourir quand même.
Il y a trop d’aberrations, d’incompréhension et j’ai trop de questions sans réponse autour du mode de communication des arbres et de comment ils font pour jouer à cache-cache pour intégrer l’histoire. Et je dois avouer désormais beaucoup me moquer à chaque lecture tellement c’est trop. « The End » est devenu mon nanard à moi.
Certes, on sait que les arbres communiquent en effet entre eux. Des études portent en effet sur le sujet un regard scientifique mais ce n’est pas une raison pour en faire des tueurs en série. Car ladite étude ne dit pas si les arbres, ça peut avoir mauvais caractères. Mais Zep pense qu’ils ont déglingué les dinosaures tout de même. Pourquoi d’ailleurs ils ont fait ça ? Marre de se faire bouffer les feuilles ?
J'ai vraiment adoré cette integrale qui est composée par les 2 volumes de cette histoire. Le scénario de Giroud, fiction sur un fond historique très interressant et sans doute peu connu, est passionnant, très bien rythmé alternant actions et enquête efficacement. Le personnage principal, journaliste un peu has-been mais avec suffisamment de pugnacité pour faire avancer son enquête ( le destin d'un soldat d'Indochine disparu et faisant probablement parti de ces ralliés a la cause des vietnamiens). Seule la fin de l'histoire est un peu confuse mais ne gâche en rien l'ensemble de l'enquête et donc le scénario. Le dessin de Lax est excellent ! Détaillé, colorisation bien équilibrée, personnages toujours reconnaissables, ce dessin apporte vraiment un plus à la valeur de l'histoire. Définitivement une très très bonne BD!
Sophie n’est pas la tête d’affiche de cet album, celui-ci fait plutôt la part belle à notre duo Starter-Pipette mais aussi et surtout à Zoé. Histoire amusante et plutôt dynamique, un album détente comme la plupart de ceux de cette série.
Dessin: 4/5
Scénario: 3/5
Dernière partie tirée par les cheveux. L’histoire ne tourne au sujet du titre du tome qu’à partir de la page 35. De plus, l’idée du mariage est farfelu. Mais bon, c’est une bande dessinée. Pourquoi ne pas tenter sa chance? ;-)
J'avais adoré le le travail de ce duo d'artistes sur leur oeuvre "Le Roy des ribauds" dont l'histoire se déroulait dans notre belle France sous le règne de Philippe Auguste. Ici, je les redécouvre sur le deuxième tome de cette série dédiée aux aventures de Conan avec le célèbre "Colosse Noir".
Même si le dessin est toujours aussi admirable dans sa globalité, je suis moins enthousiaste concernant les combats que j'ai trouvé brouillon, sans repères ni distinctions suffisantes pour démarquer les différentes tribus. Le scénario quant à lui est moins inspiré que le premier tome "La reine de la côte noire", clairement plus basique dans son genre "sword and sorcery". N'ayant lu aucune oeuvre originale, je ne saurai les comparer, cependant cette lecture ne me donne pas spécialement envie de lire une autre version comme ça avait été le cas avec le premier tome ( que j'ai d'ailleurs préféré dans le genre comics, en 4 tomes avec Brian Wood à la plume).
Pour conclure, c'est une bonne lecture et même si j'ai une préférence scénaristique pour l'épisode "La reine de la côte noire", artistiquement c'est largement au dessus, et surtout bien plus adequat pour un Conan.
LE SERPENT ET LA LANCE poursuivent conjointement leur enquête pour découvrir qui a assassiné sauvagement plusieurs jeunes filles aztèques, et éventuellement sauver celles qui ont été récemment enlevées et pas encore exécutées. Leur enquête les mène jusqu'à un mystérieux chenil, dans la région du lac Texcoco, aux confins du royaume ...
Un quatrième volume tout aussi excellent scénaristiquement et tout aussi splendide graphiquement que ses prédécesseurs, qui s'avère capital car on y apprend des informations de première importance, notamment qui sont les tueurs et quelles sont leurs motivations. Toutes les intrigues ne sont bien sûr pas bouclées et le prochain et dernier tome s'annonce explosif !
Par un concours de circonstance, RANTANPLAN se retrouve dans un fort militaire assiégé par les Indiens. Le colonel dirigeant le fort confie un message à RANTANPLAN pour qu'il aille chercher du renfort. Evidemment rien ne va se passer comme prévu ...
Un scénario amusant, bourré de quiproquos et de situations absurdes. Les personnages, Indiens comme Blancs, sont tous bien ridicules (j'aime particulièrement le bleu-bite fraîchement promu gardien de pénitencier). Le dessin est correct sans être non plus transcendant. Un album sympa au final.
Un second volume qui n'est pas sans rappelé les débuts de Hulk. La référence est ici flatteuse et le dessin absolument sublime. L'aventure prend des allures d'un buddy movie inattendu où notre héros se retrouve affublé d'un Chevalier nucléaire bavard et maladroit. Vraiment un très bon moment de lecture !!
L'aventure se poursuit à grands renforts d'interventions divines et d'enjeux épiques. Si la saga s'étire un peu en longueur, les qualités scénaristiques et graphiques demeurent indéniables. Vivement la suite ! (et la fin ?!)
La dématérialisation est, à mes yeux, la clé de lecture du Marche-Lune. Simon Spruyt l’explore sous plusieurs formes. Un événement se détache du moment où il s’est produit pour survivre sous forme de langage, de récit, de loi et de mémoire collective. Une tribu peut ainsi devenir un peuple qui survit à ses dirigeants, à son territoire et à ses membres. Mais Spruyt prend aussi la dématérialisation au sens littéral : les civilisations peuvent affranchir leur conscience de leur enveloppe biologique et subsister sous forme d’information.
La Famille représente l’aboutissement possible de cette évolution. Elle n’est pas une divinité, mais un réseau informationnel composé de civilisations dématérialisées. Pourtant, ce réseau a besoin de corps pour véritablement observer. La prêtresse, qui en est déjà à sa quatrième mission, constitue l’incarnation biologique temporaire de cette conscience. Son premier geste est révélateur : elle danse. Le corps est donc bien davantage qu’un support encombrant. Il lui permet de bouger, de ressentir et d’acquérir des expériences qui viennent ensuite nourrir la conscience de la Famille. Lorsque ses émotions la perturbent, le réseau lui propose d’ajuster ses paramètres biochimiques. Mais ce sont précisément ces sensations corporelles qui rendent de plus en plus difficiles l’observation distante et la non-intervention fataliste.
Parallèlement, la tribu nomade connaît une autre forme de dématérialisation. L’intendant a déjà orienté son histoire. La seconde observatrice tente de ne pas intervenir, mais ses actes confortent involontairement la tribu dans son sentiment naissant d’élection. L’intervention de cette conscience proche de l’intelligence artificielle n’est donc pas à l’origine de l’identité israélite. Celle-ci apparaît lorsque la tribu transforme un événement incompréhensible en un récit sur elle-même : l’événement devient signe, le signe devient mythe et le mythe devient identité.
Ce sentiment d’élection est profondément ambigu. Il donne sa cohésion à une communauté menacée et rend son identité moins dépendante de ses membres ou de son territoire. Mais il peut aussi se transformer en mégalomanie, en exclusion et en conviction que sa propre violence est légitimée par une puissance supérieure.
Enfin, le langage visuel de Spruyt offre un remarquable contrepoint à cette dématérialisation. Ce récit sur la conscience devenue information est peint à l’aquarelle, au crayon et à la craie, dans une palette de terres rehaussée d’un bleu intense. La chaleur, la poussière et les corps y sont presque palpables. Ce contraste entre un thème abstrait et une réalisation profondément matérielle contribue largement à la force de l’album.
Après avoir lu le tome 5, je suis revenu au premier pour me lancer dans la série. Je m’attendais à une série de « one-shot », mais non, il semblerait que ce soit une longue suite qui s’annonce d’album en album.
Il y a beaucoup à aimer ici, des dessins aux dialogues à l’époque présentée... mais je trouve que l’intrigue manque un peu de dynamisme. C’est un style que je peux comprendre, mais que, personnellement, je trouve un peu plat. D’ailleurs, il faudra lire la suite pour vraiment comprendre ce qui se passe.
Certainement pas une série pour tout le monde! J’apprécie, mais sans plus pour l’instant!
Un 2° tome que je n’attendais pas, puisque lorsque « Beneath the trees… » est sorti l’année dernière il se présentait comme un one-shot. Mais fort de son succès, il n’est pas illogique que P. Horvath ait poursuivi les aventures de sa psychopathe d’héroïne avec ce « Rite of spring ».
Cependant, sa lecture m’a laissé des sentiments contradictoires.
D’une part, l’effet de surprise du premier – qui fut intense – ne joue évidemment plus. Cette nouvelle mouture compense donc son déficit d’originalité par davantage de complaisance dans la violence. Ce faisant, elle s’éloigne de l’atmosphère feutrée qui fait tout l’intérêt de cette œuvre.
[SPOILER]
Pour ma part, je préférais Samantha en tueuse discrète, insoupçonnable, méthodique et insaisissable qu’en terroriste qui tire dans le tas et fait tout péter sans discernement. Ce n’est pas du tout le même mood. En tant que lecteur, elle ne m’inspire plus aucune sympathie et rien chez elle ne me donne envie qu’elle s’en sorte. C’est dommage.
[FIN DU SPOILER]
Mais d’autre part, le fait justement que l’auteur ne s’autocensure pas, qu’il laisse libre court à la folie dévastatrice de son personnage rend cette suite complètement immorale et assez hardcore. Et ça, c’est une très bonne chose. Ce côté sulfureux, largement amplifié par le dessin tout en délicatesse, est rare de nos jours. C’est un excellent marqueur de la diversité et de la vitalité de la bande dessinée contemporaine. « Beneath the trees where nobody sees » est définitivement à part.
Rien que pour cela, il doit être lu en attendant la suite, puisque cette fois-ci la fin est ouverte et appelle une conclusion.
A noter que contrairement à ce qu’indique le site, la couverture du tome 2 n’est pas gaufrée.
Hermann nous a quittés et laisse ce dernier "one-shot" réalisé avec son fils.
L'histoire est comme d'habitude avec Hermann père et fils d'une noirceur bien palpable sur chaque planche et nous embarque au Mexique sous un soleil de plomb.
Le dessin et les couleurs sont un peu plus clairs et plus travaillés, nous sommes plus proches des albums d'une série comme "Duke" que des derniers albums nanardesques de "Jeremiah".
L'histoire ne révolutionne pas le genre mais est suffisamment bien construite et se finit sur une note bien amère et très réaliste, malheureusement.
Un dernier album qui tient bien la route et qui permet de clôturer l'impressionnante carrière de Hermann.
Rosinski est fort en tout. Ici, il travaille le noir et les ombres avec excellence. Ici, la terre est boueuse, la pluie torrentielle colle à la peau et la forêt est un univers angoissant et putride. A la lecture, tout y est palpable. L’ambiance visuelle est d’une violence rare. Les couleurs sont d’une noirceur grise et il y a toujours cette pluie, toujours, tout le temps. Seule la narration visuelle vaut le chef d’œuvre.
Mais Van Hamme tire aussi son épingle du jeu. Certes, c’est encore à cause d’un gros connard lâche, présomptueux, versatile et perfide (ils le sont tous du côté des chefs vikings avec Jeannot) que Thorgal et toute sa famille vont avoir des soucis. Et l’histoire est incroyable de densité, de précision, de violence. On craint vraiment pour les héros et ça meurt encore une fois à tour de bras. Van Hamme sait raconter le chaos et l’angoisse jusqu’au final réjouissant et iconique. Comme l’arrivée d’un divin enfant qui sous-entend beaucoup sur le destin de la fille à Aaricia
Au final, peu de bandes dessinées parlent de l'addiction à l'alcool. On en rigole, on le sait présent dans tous les moments conviviaux entre amis ou en famille, il est l'initiateur de nombreuses situations drôles, rocambolesques ou gênantes. Mais il reste surtout pour certain un ennemi à combattre depuis l'adolescence ou la vie de jeune adulte, où la rechute et le lever de coude reprennent le dessus facilement dans les moments émotionnellement difficiles de la vie. A ce moment là, l'alcool n'a que pour seul ami : la solitude. L'addiction : pour certain, c'est le sucre, d'autre la cocaïne ou le sexe. Et bien l'alcool lui-aussi a son mot à dire : 49000 morts par an en moyenne en France à cause de l'alcool éthylique (éthanol). Bon, je ne suis pas là pour faire la morale, mais cela mérite bien qu'on parle du sujet. Ainsi la bande dessinée "Alcoolique" de Jonathan Ames et Dean Haspiel aborde vraiment le traumatisme en profondeur avec ses difficultés, son déni et surtout la mise en place d'une addiction sur le long terme où l'alcool se lie aux autres drogues, impacte le moral et bousille la santé de ses consommateurs.
Graphiquement, le one-shot en noir et blanc possède un style avant tout comics, un trait épais et rectiligne, des aplats de noirs ; je n'ai pas été particulièrement touché par l'aspect graphique, même si c'est soigné et suffisamment détaillé avec un mouvement sympathique.
Narrativement, le récit est touchant, une autofiction qui n'hésite pas à parler de tous les aspects addictifs et des séquelles sociales et physiques qu'entraine la consommation régulière et intense d'alcool. L'auteur n'hésites pas à souligner l'aspect dramatique de la situation dès le départ, à se mettre mal tous les week-ends entre potes. Les déboire amoureux impactent aussi fortement le narrateur, cela parait presque stéréotypé dit comme ça, mais chaque verre vidée soulage l'amertume d'une ou plusieurs relations. J'ai beaucoup apprécié le sujet sur le fait d'idéaliser une femme, de nourrir ses fantasmes et de donner l’illusion d'un amour toujours existants. Alors que c'est la confusion entre désir et amour qui crée le biais émotionnel. L'alcool se mêle souvent aux sentiments, c'est avant tout qu'on ne sait pas gérer nos émotions et la confrontation avec celles-ci. L'addiction prend le pas, la machine semble inarrêtable, le mur n'est pas loin.
Une BD pour connaitre les dessous d'une addiction, une histoire qui se répète, un cercle vicieux dont il faut essayer de sortir, pour ne pas y laisser des plumes ou même, la vie.
Ambre et Lucas sont sur la piste de la mystérieuse organisation responsable de leur métamorphose. Leur enquête les mène à Lyon. Ils sont loin de se douter de la menace qui les attend là-bas ...
Cette sympathique série se poursuit avec un troisième tome de bonne facture. L'intrigue lève doucement le voile sur certains mystères tout en conservant de nombreuses zones d'ombres, les liens entre les personnages se renforcent, le tout illustré par un dessin très plaisant. Chouette lecture, une nouvelle fois.
Le contraste entre l'aspect sordide de l'histoire, la cruauté du personnage principal et l'aspect tout mignon des dessins fait tout le sel de ce comics aussi trash qu'addictif. Lecture plaisante, mais âmes sensibles, s'abstenir !
Jack l'Éventreur en vacances est un concentré de Willem à l'état brut : un humour noir qui taille à la hache, une méchanceté jubilatoire et un refus absolu du bon goût. Son trait faussement négligé cogne aussi fort que ses idées, entre absurde, provocation et satire. Certains gags ont pris quelques rides, mais l'insolence, elle, reste intacte. Willem confirme ici qu'il est l'un des plus grands satiristes du dessin de presse, capable de transformer la férocité en véritable art. Une BD qui ricane au visage de la bienséance et ne demande jamais pardon.
Quelle histoire !
Lorsqu'on referme un livre et que l'on continue à y penser pendant plusieurs minutes, c'est souvent le signe qu'il ne nous a pas laissés indifférents. Là où le regard ne porte pas... fait clairement partie de ces œuvres-là.
Bravo aux auteurs pour ce scénario d'une grande créativité. On se laisse progressivement emporter par cette histoire, au point de s'attacher profondément à ses personnages et de vivre leurs émotions avec eux.
Le style graphique est, lui aussi, magnifique. J'ai particulièrement apprécié le contraste entre les palettes de couleurs des deux volumes. Chacune possède sa propre identité et accompagne parfaitement l'évolution du récit, renforçant encore davantage son intensité émotionnelle.
Une œuvre originale, poétique et profondément touchante, qui mérite amplement d'être découverte.
J'ai beaucoup aimé cette série, qui puise visiblement son inspiration dans plusieurs univers : les légendes celtiques, le mythe de Dracula, les croyances ancestrales, le tout relevé d'un parfum d'Indiana Jones. Ce mélange fonctionne remarquablement bien et donne naissance à une aventure riche en mystères et en rebondissements.
Le scénario est solide du début à la fin de ces trois albums. L'intrigue est bien construite, le rythme est soutenu et l'on ne s'ennuie jamais. J'aurais même volontiers suivi les personnages dans une nouvelle aventure tant l'univers est plaisant.
Le dessin est lui aussi une très belle réussite. Les planches sont soignées, dynamiques, et la mise en couleur, vive et lumineuse, met parfaitement en valeur l'ambiance de la série.
Un grand bravo aux auteurs pour cette trilogie.
Pour les 2 premiers tomes (en attendant de découvrir le reste de cette série) :
Après la lecture de nombreux retours élogieux sur plusieurs sites, j'ai décidé de me lancer dans l'aventure "Deadly Class", à reculons cependant car les planches que j'avais aperçu ne me disaient rien mais surtout le pitch type "école d'assassin pour jeunes" me faisait limite fuir.
Et là, c'est la claque ! Une baffe en pleine face que je n'ai absolument pas vu venir !
Un premier tome qui pose les bases d'un thriller tragique, poignant et répugnant. Aucun espoir, aucune promesse de jours meilleurs pour cette jeunesse punk/rock d'un San Francisco des années 80 retranscrit à coeur ouvert par les deux artistes. J'ai plongé avec eux, impossible de sortir la tête de l'eau, je coule inéxorablement vers cette frénésie.
Second tome qui, part intermittence, accentue soit notre folie par des dessins psychédéliques et des couleurs flashy mais aussi par les divagations et les exactions des personnages, soit notre dépression en nous transportant dans le passé de chacun d'entre eux via des flashback terribles.
Je passe littéralement du rire au malaise en passant par de très rares instants de répits d'un adolescent amoureux. La narration excelle dans les nombreux questionnements de cette jeunesse perdue, on sent que les auteurs y transposent beaucoup de leur histoire personnelle.
Un thriller érotique qui fait la part belle à la provocation plutôt qu'à l'excitation en banalisant le viol au fil des planches, et pire encore, il le légitime voire le pardonne en essayant d'implanter une romance tragique en dénouement.
L'intrigue est finalement très grave et malheureusement réaliste dans ces mondes mafieux d'où l'histoire est apparemment tirée, offrant par ailleurs une certaine profondeur psychologique à Valeria.
J'ai finalement eu affaire à un fait divers épouvantable pour cette jeune femme, alors que je cherchais un instant lecture sur le plaisir érotique. Cependant, ça n'en fait pas une mauvaise lecture pour autant.
Plaisir de lecture ~ ★★★★★
Dessin ~ ★★★★★
Univers ~ ★★★★★
Personnages ~ ★★★★★
Album indispensable
Plaisir de lecture ~ ★★★★★
Dessin ~ ★★★★★
Univers ~ ★★★★★
Personnages ~ ★★★★★
Album indispensable
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Dessin ~ ★★★★★
Univers ~ ★★★★★
Personnages ~ ★★★★★
Album indispensable
Plaisir de lecture ~ ★★★★★
Dessin ~ ★★★★★
Univers ~ ★★★★★
Personnages ~ ★★★★★
Album indispensable
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Dessin ~ ★★★★★
Univers ~ ★★★★★
Personnages ~ ★★★★★
Album indispensable
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Univers ~ ★★★★★
Personnages ~ ★★★★★
Album indispensable
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Dessin ~ ★★★★★
Univers ~ ★★★★★
Personnages ~ ★★★★★
Album indispensable
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Dessin ~ ★★★★★
Univers ~ ★★★★★
Personnages ~ ★★★★★
Album indispensable
Mon avis pour le tome6 était que la série trainait en longueur.
Mais comme j'avais du retard dans mes lectures, j'avais déjà acheté ce 7ème opus avant l'avis sur le précédent... Et donc, je l'ai lu...
Bon, bah... je réitère!!!!
Malgré quelques originalités (je ne précise pas pour ne pas spolier), l'histoire est toujours la même. Cette fois-ci en recyclant des personnages des albums précédents. Et avec une fin qui n'en est pas vraiment une. Et avec toujours encore +d'hémoglobine.
Et même du ridicule avec cette tête décapitée qui continue de parler... Les auteurs auraient-ils inventé "l'orc-canard"?
La série était initialement prévue en 5tomes. Le succès fait que les auteurs surfent sur sa réussite en crachant de l'encre et je ne retrouve plus la qualité, l'originalité et le plaisir de lecture des premiers tomes. Très peu pour moi, je ne vais plus suivre.
Passez votre chemin.
Ha, Dumontheuil ! Depuis son 1er album "Qui a tué l'idiot", à la fin du siècle dernier, je ne rate aucun de ses albums. Voilà un auteur qui sait faire vivre mieux que personne, toute une communauté chamarrée où chacun apporte un peu d'âme à un grand tout, souvent foutraque et même parfois, sa direction d'acteurs semble lui échapper, tant il sont nombreux, pour le meilleur ou pour le pire. Cet album est son plus ambitieux projet à ce jour, on se régale à se perdre dans ses planches superbes, mais l'histoire manque de colonne vertébrale, notamment sur sa fin un peu en eau-de-boudin.
Pas grave, c'est quand même un sacré beau livre.
Pour répondre à la question d'Alicecooper qui a posté son avis avant moi, l'allusion "avec un juif et deux vagabonds pour faire bonne mesure" est un subtil clin d'oeil de l'auteur à Voltaire, qui fit de même dans Candide : lors d'un autodafé (un bûcher en place publique), les puissants condamnent aussi bien des coupables que des innoncents, au prétexte qu'ils sont différents.
Plaisir de lecture ~ ★☆☆☆☆
Dessin ~ ★★☆☆☆
Univers ~ ★★★☆☆
Personnages ~ ★☆☆☆☆
Album sans intérêt
== Avis pour la série, c.-à-d. les 14 tomes ==
Attention : chef-d’œuvre absolu! Gare aux avis de ceux qui n’ont lu qu’un ou deux seuls tomes!
Gloutons & Dragons, ou Dungeon Meshi en VO, est une série tout à fait originale qui surprend d’abord par son idée saugrenue : des aventuriers explorent un donjon et cuisinent les monstres qu’ils éliminent. C’est pas banal! Mais surtout, l’auteure va même jusqu’à décrire la cuisine et nous donner les recettes. C’est spécial!
Et si, au départ, ça fait sourire et on s’amuse un brin, on a un peu peur que ça devienne répétitif, à la longue. Que nenni! Le scénario s’étoffe considérablement au fil des volumes, avec l’apparition du sorcier fou, la magie antique, les démons qui pourraient envahir le monde s’ils ne sont pas contenus, jusqu’à l’exploration de cette notion de désir qui consume tous les êtres et qui risque d’en faire basculer certains vers la folie... l’intrigue est très, très loin d’être faiblarde! Elle est plutôt remarquablement intelligente et bien imaginée!
De même, avec diverses races qui se disputent la façon dont il faut agir (elfes, nains, humains, halfelons, orques, etc.) et grâce à une palette de personnages principaux bien colorés, bien sentis et bien développés, l’histoire va beaucoup plus loin que simplement « cuisiner des monstres », même si cette thématique demeure l’âme du récit jusqu’à la fin. (En fait, le donjon avec ses murs qui se déplacent et qui perdent les explorateurs m’a beaucoup plus fait penser à Dungeon Twister que sa BD éponyme!) Et quel bestiaire étonnamment large et détaillé! On a l’impression que Kui a joué à des jeux vidéo toute son enfance!
C’est franchement l’une des meilleures BD que j’ai eu le plaisir de lire. J’ai également tellement ri, l’humour et les dialogues sont tellement bien écrits, moi qui suis plutôt difficile côté humour, ici c’est très souvent dans mes cordes! Le dessin de Ryôko Kui est superbe, très épuré et en même temps magnifiquement détaillé! Mon seul regret pour la version française est l’élimination des onomatopées japonaises (faire comme les anglais, nonnn!!), mais Casterman n’est pas à la base un éditeur de mangas, alors...
Enfin, un mot sur la traduction française, qui est franchement excellente. Certains mangas récents me répugnent avec leurs traductions dont je suis capable d’imaginer le japonais mot pour mot derrière, mais ici, la traduction est franchement superbe. Absolument rien à redire sur le travail de Sébastien Ludmann! Sauf, peut-être, pour les fautes de français. Normalement, les mangas traduits en français s’en tirent beaucoup mieux que les BD européennes côté français, parce que justement, c’est le rôle d’un traducteur de savoir bien écrire (contrairement aux auteurs francophones). Par contre, Gloutons & Dragons contient vraiment beaucoup de fautes de français. Comme d’habitude, il y a une confusion fréquente entre le passé simple et l’imparfait ou le futur simple et le conditionnel, mais il y a également de simples fautes grammaticales ou d’orthographe assez gênantes. Exemple, « beefsteack » écrit avec un 'c', alors que c’est « beefsteak ». Ou encore, à plusieurs reprises, « C’est fatiguant » au lieu de « C’est fatigant ». « Fatiguant » avec un 'u', c’est le participe présent. Sans 'u', c’est l’adjectif! C’est ce dernier qu’il faut utiliser! Il y en avait d’autres, mais malheureusement j’ai omis de les noter...
Gloutons & Dragons est un manga phénoménal, d’une originalité folle. Un véritable délice. Fameux, goûteux, succulent! À lire!
Une histoire très agréable à lire, un dessin très frais, c'est plaisant du début à la fin.
Je pense que cette aventure aurait même mérité deux ou trois albums pour approfondir un peu l'aventure, les personnages et surtout l'univers dépeint.
Une suite pourrait être largement envisageable tant ce monde est à découvrir.
Enfin une BD à lire de 7 à 77 ans.
Les auteurs sont d’anciens roublards qui connaissent bien leurs jobs. Dans cet univers qui a tout pour plaire tant il est palpable, atypique et construit, les voici qu’ils construisent une histoire solide d’espionnage qui, forcément, part en sucette. Le lecteur est confortablement assis et lit une narration confortable qu’il connaît certes par cœur mais qui, ma foi, est bien fichu. Rien de neuf au soleil donc mais bigrement agréable. Il y a de la tension, de bons personnages bien dressés et aucun temps mort. Que demandez de plus ? De la surprise et de la nouveauté ? Certes. Vous n’en aurez pas dans cet opus.
Si je chafouine un peu question visage, j’adore les cadres de Simon Fred qui sait rendre la perspective superbe. Les cases avec « Delph » sont sublimes. Il sait construire visuellement la personnalité du dauphin dans une suspension qui a du tempérament. Les décors, grâce à des lignes de fuite parfaitement maitrisées sont superbes. Le plaisir véritable est ici : Un monde visuel génial.
Il s’agit ici de la réédition du premier album, scénarisé par Van Hamme, l’histoire principale est assez insipide mais se laisse lire.
Les deux autres histoires - plus courtes celles là - sont écrites par Duchateau et il y a le côté un peu plus absurde et délirant qui est présent et qui, pour moi, même si c’est pas toujours compréhensible, joue son rôle dans cette série.
Bref, un album mi-figue mi-raisin.
Album regroupant quatre histoires nullissimes, servies par un dessin tout aussi nullissime. Ne vous laissez pas avoir par la très chouette couverture, cet album est l'un des pires, si ce n'est le pire de la série !
Me voilà de retour avec une BD québécoise : cela faisait longtemps ! Nous sommes plongés dans un hiver nucléaire qui dure depuis une dizaine d'années dans la région de Montréal, victime d'une catastrophe nucléaire.
L'univers dépeint montre des gens mutés, dont certains, comme notre héroïne, possèdent un sacré pouvoir lorsqu'elles se mettent en colère. Personne n'aurait cru que l'hiver durerait aussi longtemps, obligeant tout le monde à s'adapter à ce changement climatique extrême.
Le ton est parfois léger, notamment à travers les aventures sentimentales de Flavie, une sorte de livreuse en motoneige pour affronter des températures descendant à moins 20 degrés. C’est plutôt destiné à un jeune public, mais j’ai trouvé la lecture divertissante, malgré les dialogues en version originale.
À noter que j’ai lu l’intégrale sortie en 2025, alors que le premier tome était publié en 2014, avec une action censée se dérouler en 2028. Nous y sommes presque ! L’originalité réside dans la façon dont on peut vivre dans un monde post-apocalyptique tout en conservant une tonalité joyeuse, soutenue par un graphisme et une colorisation efficaces.
En résumé, c’est une intégrale à découvrir pour sortir des sentiers battus de la BD européenne et découvrir ce que font nos amis canadiens.
Bon gré, mal gré, LE SERPENT ET LA LANCE sont finalement contraints de collaborer pour démasquer le(s) sérial killer qui massacre nombre de jeunes filles du royaume et enrayer son macabre projet.
La série se poursuit de la plus belle des manières, entre une narration captivante, des personnages toujours aussi charismatiques et un dessin toujours aussi splendide. Action, suspense, retournements de situation : tout y est et c'est un pur régal.
Dans ce second tome, LE SERPENT ET LA LANCE continuent de mener leur enquête chacun de leur côté, pour élucider le mystère des nombreux meurtres de jeunes filles dont les cadavres sont retrouvés momifiés aux quatre coins du pays.
L'enquête progresse lentement mais surement, entre révélations, hypothèses, fausses pistes et coups de théâtres. L'ensemble est réellement palpitant, d'autant que les personnages prennent de plus en plus d'épaisseur et que le dessin est toujours aussi remarquable. Un must !
Je découvre tardivement la série. Que dire, si ce n'est que c'est excellent ? Entre un scénario remarquablement bien ficelé, des personnages d'une belle complexité, des dessins réellement superbes et des décors d'une richesse et d'une variété folle, on est sur de la très grande bande dessinée. Cerise sur le gâteau, Hub n'édulcore rien et nous montre à de nombreuses reprises la cruauté et la barbarie dont pouvait faire preuve la société aztèque à cette époque. Bien-pensants et moralisateurs, passez votre chemin, vous risquez d'être choqués !
Au final, un thriller aztèque d'une belle originalité et d'une redoutable efficacité, qui démarre avec ce premier tome en tous points excellents, et dont le final ne nous donne qu'une envie : découvrir la suite !
se voulant dense et épique, « X-men, volume 3 pendant que le monde brule » est un gros pavé difficile à suivre en raison de la volonté des auteurs d'inviter à la fête, la plus grand nombre de super héros liés de près ou de loin aux X-men.
Certaines insertions comme Fatalis et ses trois surhommes sont particulièrement bien réussies, tout comme le rôle central accordé à Kitty Pride, devenue une tueuse et une stratège implacable alors qu'on l'avait teenager fragile à ses débuts.
Pour être honnêtes, certaines parties ne servent à rien, comme les apparitions furtives des Avengers ou des Fantastiques.
On ressort également les valeurs sures : un peu de Fléau, un peu de Maitre de l'Evolution, pas mal de Nemrod, un teasing d'Apocalpyse et de Sunfire, et à la fin on frôle l'indigestion...
Autre point négatif, la qualité des dessins très fluctuante et au final franchement moyenne !
Plus d'informations sur ce lien :
https://lediscoursdharnois.blogspot.com/2026/07/x-men-volume-3-pendant-que-le-monde.html
Un des meilleurs albums lus depuis des années. Tout y est excellent, dessins, personnages, aspect historique, intrigue, textes,...
A ne pas manquer !
Un peu trop long à mon goût, 270 pages, faut aller jusqu'au bout, c'est pas facile, avec une fin précipitée et un peu brouillonne, dommage !
Sinon, un bon album dans l'ensemble !
Excellent. Dans la lignée des 5 volumes précédents.
Les qualités humaines de Elijah Stern me rapelle Trent.
Superbes dessins et chute surprenante.
J'ai adoré. Comme toute la série.
Retour datant de 2021 :
Quelle belle surprise pour moi ce personnage d'Aquaman ! J'avais des doutes sur le fait de me lancer dans cette lecture, le personnage étant dans l'ombre des grands de chez DC et pas spécialement charismatique au premier abord . Doutes, vite dissipés après quelques pages . J'apprends donc à connaître Aquaman et le suis avec plaisir dans sa quête des origines de la destruction d'Atlantide . Mature, avec des personnages approfondis, des thèmes variés, des intrigues intéressantes et des fonds marins somptueusement intimidants.
Le dessin est de qualité dans son ensemble, et même admirable sur certaines planches . Cet arc de Geoff Johns est un excellent point de départ pour apprendre à connaître Arthur Curry et son royaume Atlantide .
Pour faire court, scénaristiquement c'est deux crans en dessous du run de Geoff Johns. Le ton posé me plait mais l'histoire en elle-même et ses protagonistes (Père Mer et Mère Sel....) m'ont laissé de marbre, voire m'ont paru ridicules. C'est une transcription de la mythologie grecque, la philosophie en moins. L'amnésie, la pirouette scénaristique la plus vieille du monde fonctionne encore assez bien.
Cependant graphiquement il n'y a rien à reprocher, c'est plus proche de la franco-belge que du comics et ce n'est pas pour me déplaire. Esthéthiquement je dirais même que c'est mon Aquaman préféré, c'est comme ça que j'aime le voir (barbe, cheveux long, musculature proportionnée). Caille, l'alter ego féminin d'Arthur Curry est toute aussi jolie, une espèce d'Esmeralda au milieu de ces âmes en peine qui vogue dans une atmosphère morne et lugubre.
Finalement ce qui ressortira de ce run, c'est un univers marin contemplatif mais une histoire à la saveur mitigée.
Déception pour cette reprise et plus particulièrement pour ce tome 2. On découvre que la formule de la relativité générale était connue bien avant Einstein. Le cheminement me paraît incohérent.
Bien déçu de ce 3e tome! Finalement, je regrette que ce ne soit pas David Courtois au scénario!
Quelle enquête soporifique! Dans le genre, le 3e tome de « Mages » est bien meilleur! Un juge et son Kugo doivent faire la lumière sur un meurtre qui attise les tensions entre deux clans qui se détestent depuis toujours. Pour ne pas spoiler, tout ce que je peux dire est que je n’ai pas trouvé ça particulièrement intéressant. D’ailleurs, on parle beaucoup de politesse, mais Jarry semble plutôt se moquer de la politesse légendaire des Asiatiques qu’autre chose, ce que je n’ai pas aimé. Et si Bordier était excellent dans Nains, ici la morphologie des visages de personnages change beaucoup trop de case en case, c’est bizarre...
Mais peut-être suis-je simplement tendancieux, parce que le français dans ce 3e tome est HORRIBLE. Non, mais, c’est qui qui révise les textes chez Soleil? Ark!!! Et sinon, peut-être Nicolas Jarry devrait-il retourner suivre quelques cours de français!!!
Déjà, première page qui montre les lignées... « Grand général du clan Itō, tombé au combat dont l’âme a été LIÉ à un Kogutsu. » Qu’est-ce qui a été lié? L’ÂME. Féminin. Donc, LIÉE. Pas compliqué, les gars! Ensuite, Kogutsu? KOOOOOGUTSU??? Sérieusement??? C’est KUGUTSU avec un « u »!!! Ça aurait pris quoi, 5 secondes à trouver? Au secours!! Même chose qu’avec « yōkai/yukai » dans le tome 1.
Ensuite, page 39, « Il n’y a jamais eu le moindre démons ». Démons?? Avec un 's’??? Le moindre DÉMON au singulier!!! ARGH! Page 50, « [...] est un sombre-âme... » UNE sombre-âme, au féminin, comme partout ailleurs, d’ailleurs!!!
Ah, et bien sûr, la confusion fréquente entre l’imparfait/le passé simple et le conditionnel/le futur simple. Bienvenue chez Soleil!
J’ai honte. Honte qu’on puisse publier des livres avec autant de fautes de français dedans. À vomir, vraiment. Et je n’ai pas parlé de la cohérence pour les mots japonais... Exemple, écrire yōkai avec un o accent aigu ou avec un o accent circonflexe, Ito avec un o macron ou un o accent aigu, mais yurei juste de même, alors que c’est ゆうれい, donc « yuurei » ou « yūrei »... je... je ne sais plus quoi dire.
Quelle honte. Le pire des trois premiers tomes. Même pour le scénario. Même pour le dessin. Surtout pour le français.
une belle bd, qui se consacre à un aspect très fugitif de la grande guerre (14-18), le profil étonnant d'un combattant hors norme. Cette description est développée à partir des évènements phares de la guerre, dont Verdun et le fort de Vaux. Le scénario est complexe, voir peu crédible, mais l'histoire captive, et on aurait aimé avoir une fin, et un troisième tome. J'ai lu beaucoup d'ouvrages sur cette période, et je crois que cette BD ne dénote pas. Elle l'enrichie par de nombreux détails, des dessins parfois convenus mais toujours fidèles et très réalistes, enrichis par la mise en couleur poussée. Morvan connaît son sujet. A conseiller à la lecture, pour approfondir ses connaissances de la guerre, et plonger dans une bonne BD. Juillet 2026
Pas besoin d'écrire une dissertation sur "Parlez-moi de mort" tellement la lecture n'en vaut pas la peine ; l'humour est douteux, la structure et le découpage ne sont pas des plus réussi non plus. Une histoire d'amour naissante entre Tom, un boxeur/bucheron et Abigail, femme mariée à un riche homme âgé et handicapé qu'elle appelle "Papa", "Papi", "Pépère" pour lui rappeler son age avancé (et qu'il y a dans leur relation quelque chose de relatif au paternalisme). Tous les poncifs sont présents et aucun stéréotype n'est épargné : la pin-up élancée qui se met à nue pour n'importe quelle occasion, l'aventurier bagarreur à la coiffure impeccable, la servante noire à l'accent prononcé, l'adolescent qui a du mal à gérer son flux hormonal et ses émotions, le vieux crouton plein aux as qui fantasme plus qu'il ne vit. Il n'a pas grand chose à démontrer de ce récit d'aventure sans réels enjeux ou originalité.
Le dessin est correcte, les personnages sont bien représentés, les couleurs sont simples mais fonctionne. C'est le découpage abruptes entre les planches qui peut surprendre, pour en définitive, une non-conclusion de l'aventure.
Le titre "Parlez-moi de mort" n'a aucun lien avec le récit à première vue ; le genre de BD qui n'a pas bien vieillie et dont il ne restera pas grand chose dans les années futures, à mon avis.
"Tirérias" reprend le mythe grec du même nom, un personnage de Thèbes qui connaitra le sort des Dieux suite à une faute pour mauvaise conduite (viol). Rossi et Le Tendre ont décidé dans le diptyque de donner à Tirésias un coté guerrier, bon vivant, jeune, sexuellement actif et bisexuel ; mais c'est aussi un personnage qui ne prend pas ses responsabilités quant à ses actes ; en ayant rompu la confiance que lui accordait la déesse Athéna, il sera transformé en femme jusqu’à son repentir. Ce changement de sexe, au-delà des avantageux atouts que lui donnera cette nouvelle nature, lui permettra de réfléchir plus en conscience sur sa place en tant qu'être humain dans le monde, mais aussi la légitimité de sa place et celle des femmes.
"Tiresias" aborde son histoire en deux temps avec une première partie humoristique et une seconde plus sérieuse qui questionne le genre, sa représentation, son émancipation ; avec une conclusion qui accompli le mythe de Tirésias mais dont le chemin parcouru lui a appris le respect d'autrui et la résilience. A vrai dire, j'ai trouvé le premier tome basique dans sa représentation ; c'est le second tome qui révélera un homme incarné par ses changements qui au fil des années trouvera en lui une forme de paix intérieure , ainsi qu'une dernière rencontre avec les dieux pour un final évocateur, universelle, intemporel et plein de sagesse.
Concernant le trait de Christian Rossi, il est économe sur le premier tome avec des personnages qui ne sont pas forcément détaillés et définis ; de même pour les couleurs, interrompues par une ligne claire prononcée et dont le travail d'ensemble manque de force. Le second tome est plus appliqué, avec plus de gros plans sur les visages et une meilleure expressivité sur ses derniers.
Un récit qui se veut plus profond que ne le laisse penser le début de la série ; certes romancée, mais avec une conclusion pleine de philosophie qui s'apparente à une chronique sociale historique. A lire si vous appréciez la mythologie grecque et le rapport des genres.
La série (4 tomes à ce jour) a un intérêt historique pour les bibliophiles et les fans de Michel Vaillant et Jean Graton, mais les histoires, du fait de leur format court, n'ont bien évidemment pas l'épaisseur des albums.
Voilà une agréable surprise que de découvrir notre Annie nationale dans une bd qui lui est intégralement consacrée. On y retrouve la jeune Annie, qui a l’époque travaille au cabaret bruxellois le Boeuf sur le Toit.
Les dessins sont très soignés et nous plongent parfaitement dans l’univers de ces années. Le trait est fin, les décors sont minutieusement travaillés. Côté scénario, outre l’histoire d’un morceau de vie de l’artiste, nous sommes invités dans une petite affaire d’espionnage et roman policier. Et là, Nini mène l’enquête. Cela semble étonnant de premier abord comme ligne de conduite mais force est de constater que l’ensemble tient plutôt bien la route et que l’on ne s’ennuie pas tout du long de cet album.
Bref, très belle découverte pour un excellent moment de lecture.
Magnifique cette histoire de cochons, on en sait un peu plus sur les maîtres porchers et cette dite passion de la part de cet évêque en partie déchu, bien décidé à reconquérir son fief.
Comme dit avant, ouvrage magnifique, et dessins sublimes. J'ai d'ailleurs commencé par mettre la main sur trois planches fac-similé. Je ne regrette pas mon achat, celui-ci ira à côté de 1629.
Par hasard, j'avais sorti " Jehanne la pucelle " de Paul Gillon comme lecture de vacances. J'ai lu celui de Gillon en premier, avant de passer à Cauchon. Bonne pioche, dans des styles très différents celui de Gillon retrace les faits d'arme de Jeanne d'Arc, évoquant brièvement sur 5 pages le procès qui achèvera son oeuvre. " L'homme qui tua Jeanne d'Arc " au contraire ne souhaite pas reprendre le chemin guerrier de la pucelle et nous livre une version romancée, mais à laquelle on souhaiterait croire tant elle est plaisante. mieux vaut que je m'arrête pour ne pas spoiler.
finalement ces 2 one-shot de 150 planches environ se complètent parfaitement, l'un en N&B laissant apprécier le merveilleux travail décrivant les innombrables villes fortifiées de l'époque de la guerre de cent ans. Le second emboîtant le pas en décortiquant les enjeux politiques dans une France qui peine à trouver son roi. Charles VII, Henri VI et/où Henri II qu'il ne faut pas citer, vous ferez le tri. on ne révise jamais assez son histoire
Autant le dessin était propre-sur-lui dans les quatre tomes du premier cycle, autant là ça fait brouillon. Peut-être le contraste. Je n'aurait probablement pas dû tout lire dans la même journée... Le héro masculin se paye une tête de sortie d'octogone... Au moins elle reste identique jusqu'à la dernière page. On est sur une esthétique entre un thorgal et un Tangy et Laverdure, pour donner une idée en s'appuyant sur les classiques.
Par contre, pour l'histoire, on n'est pas perdu. C'est la même.
On change de méchant, on condense sur deux albums ce qui était étalé sur quatre au départ (c'eut été une bonne idée d'en faire autant pour le premier cycle), mais une poule n'y perdra pas ses canetons. Par contre, pour deux fois moins d'albums, il y a autant de blabla que dans les quatre premiers. Donc, logiquement, c'est l'action qui en pâtit. Cela partait pourtant bien avec l'escapade vaticane d'introduction, mais après on est dans la série "Raconte moi des histoires".
Ce deuxième cycle s'imposait-il ?
Pour les quatre premiers albums, ce n'est pas fulgurant mais ça se lit sans problème.
Le dessin est propre, pas toujours précis. Certaines bouches sont parfois mal centrées et notre héro du FBI semble avoir un visage assez protéiforme, allant de Jerry Spring (Jijé) à Largo Winch (Philippe Francq) en passant par Trent (LÉO). C'est graphiquement très dynamique dans les scènes d'action, plutôt détaillé quand il y a des canassons, des armes ou de la mécanique. Mais on a l'impression que Miguel Lalor s'emmerde un peu dans les moments de blabla. Certains visages virent à la caricature sous couvert d'expressivité. Les filles ne sont pas obligés d'avoir une bouche de pipeuse quand le phylactère se termine sur un [a] ! On pourrait aussi avoir une émotion qui vient illustrer un propos sans le mimer.
Et du blabla, il y en a ! C'est quand même un poil bavard quand on aime l’œuvre de Derib...
L'histoire est bonne sans être originale. On surf sur la vague ésotérique à la Da Vinci Code, effectivement, mais plus avec une touche Pacôme Thiellement dans la série "L'Empire n'a jamais pris fin" sur Blast. Et là, personnellement, en tant qu'ignostique anticlérical, je suis client !
Série sympathique qui permet d'initier les jeunes lecteurs à l'héroïc fantasy, comme LES MAITRES DE L'UNIVERS ou les "Livres dont VOUS êtes le héros" ont fait découvrir ce genre à celles et ceux de ma génération dans les années 80.
Ce premier tome de cette série au long cours est hyper efficace, entre un scénario simple mais plaisant à suivre, un dessin facile typé manga et une colorisation numérique très flashy qui plairont certainement aux jeunes lecteurs, des personnages attachants, de l'action avec de nombreuses péripéties et un humour très présent. En outre, le fait que les héros soient des enfants permet aux jeunes lecteurs de s'identifier aisément.
Ma fille de sept ans est à fond ! Longue vie aux LEGENDAIRES !
Une édition de très belle qualité, comme tous ce qui sort de chez Félès.
Des nouvelles de quelques pages, originales, amusantes, déroutantes.
Les scénarios courts sont tous de qualité, ainsi que la mise en images.
C'est un livre très plaisant à lire.
Asphodèle réussit à installer une ambiance intrigante et un univers cohérent, même si le scénario est parfois artificiellement opaque.
L'album se lit facilement et maintient la curiosité grâce à son cadre d'urban fantasy occulte, même si les personnages secondaires manquent un peu de personnalité propre .
C'est une excellente porte d'entrée pour explorer cet univers ésotérique des Stryges (même si elles sont pour l'instant trés discrètes) !
Ma critique complète ici :
https://www.alphabulle.fr/asphodele-1-enquete-en-urban-fantasy/
Rodolphe et Leo ne font plus dans la dentelle. Parce que ça défouraille sévère. Les héros meurent plus vite que la musique. Il y a du « Walking Dead » dans la narration.
Du côté de l’illustration, Louis Alloing fait un très bon travail. Sans offrir une patte singulière, il offre toutefois un écrin de qualité à une narration qui dépote. Les 2 univers sont parfaitement illustrés.
Voici un manga présenté sous forme de one-shot, qui explore le thème de l'accompagnement dans les derniers instants d'un petit compagnon de vie. L'autrice japonaise Iriko Aoiro, ayant elle-même perdu son chien, souhaite exprimer toute la gamme des émotions qu’un maître peut ressentir dans ces moments difficiles.
Le récit comprend cinq histoires différentes, mettant en scène des chiens de races variées: un berger des Shetland, un caniche nain, un croisé grand caniche et labrador, un shih tzu, et enfin un corgi, le fameux chien de la Reine Elizabeth. Chacune de ces histoires est poignante, toutes portant sur cette ode à l’amitié canine.
Ce manga joue sur une forte charge émotionnelle, mais je trouve que ce sujet est encore peu abordé dans la bande dessinée. Il peut ainsi offrir du réconfort aux propriétaires touchés par la perte de leur compagnon.
Pour ma part, cela me parle énormément, car je pense à mon Joops, et même des années après sa disparition, je ressens encore toute l’émotion de cette perte. Ces petites bêtes nous donnent tant d’amour, et leur départ arrive souvent trop vite par rapport à nous...
Version malheureusement ultra censuré des les premières pages, il manque beaucoup de planches de dessin et tout ce qui faisait du manga une ouvre choquante/dérangeante est enlevé, il manque même des chapitres complet ! Si vous voulez la version non censuré tournez vous vers celle de BDérogène sortie en 2005. Je me faisais une joie de cette réédition, c'est au final une énorme déception.
Rien qui sort du lot ici.
Trapped : Deux braqueurs en fuite se cachent dans les égouts de Miami, où ils découvrent qu'un crocodile géant et monstrueux y règne en maître.
D.O.A. Rampage : Inspirée d'un fait réel, l'histoire suit un ancien militaire devenu paranoïaque qui, sous l'effet de la drogue, sème le chaos dans son quartier avec une violence incontrôlable.
Death of a Nation : Dans un parc d'attractions où l'on rejoue l'histoire des États-Unis avec des zombies, une visite tourne au massacre lorsque les créatures deviennent réellement dangereuses.
Très belle découverte que cette trilogie de Science-Fiction dont le scénario global est très cohérent. Il est indispensable de lire les 3 tomes pour le comprendre complètement.
Les dessins s’améliorent au fil des albums. La présentation des pages et leur et le découpage en cases font preuve de pas mal d’originalité et apportent beaucoup au plaisir de lecture.
Du bon travail pour quelqu’un dont la BD n’est pas le métier mais uniquement une passion.
Très belle découverte que cette trilogie de Science-Fiction dont le scénario global est très cohérent. Il est indispensable de lire les 3 tomes pour le comprendre complètement.
Les dessins s’améliorent au fil des albums. La présentation des pages et leur et le découpage en cases font preuve de pas mal d’originalité et apportent beaucoup au plaisir de lecture.
Du bon travail pour quelqu’un dont la BD n’est pas le métier mais uniquement une passion.
Très belle découverte que cette trilogie de Science-Fiction dont le scénario global est très cohérent. Il est indispensable de lire les 3 tomes pour le comprendre complètement.
Les dessins s’améliorent au fil des albums. La présentation des pages et leur et le découpage en cases font preuve de pas mal d’originalité et apportent beaucoup au plaisir de lecture.
Du bon travail pour quelqu’un dont la BD n’est pas le métier mais uniquement une passion.
Il y a quelque chose qui ne passe pas dans cette BD. Le dessin de Mathieu Bonhomme n'est pas en cause, mais plutôt le scénario qui est trop dispersé (qui trop embrasse mal étreint ...). Bonhomme nous jette à la figure du prêchi-prêcha écolos, antitrump, anticapitaliste ... Ça pourrait encore passer s'il n'y avait pas un problème avec les personnages eux-mêmes. Lucky-Luke a ici une personnalité ambigüe, indécise, presque déconstruite. Le fils Cramp est un personnage androgyne aux airs de Greta Thunberg .... bof ...
J'ai lâché en cours de route, scénario trop compliqué, on part dans tous les sens, avec un dessin qui reste irrégulier dans l'ensemble !
Dommage car l'idée de départ est originale et bonne, ce mélange de monstres des plus détonant !
Trèèèèèèès moyen. Pas grand-chose d’intéressant dans ce « one-shot » où Thorgal et Louve se retrouvent sur une île de gens maudits par des araignées géantes... Les personnages ne sont pas particulièrement intéressants, les dialogues non plus. Vraiment un tome bouche-trou.
Alléluia !!! Après autant de ratage et d’écrabouillage, voici que se pointe enfin un bon album !
Vehlmann a déjà la très bonne idée de ne pas prendre le Spirou du tome précédent et reprend celui qui a toujours vécu. Puis il y met une bonne dose d’humour qui est très réussi, de l’action en pagaille et de la cambrousse et de la savane. Il te saupoudre le tout avec une inventivité folle qui laisse la place à de la situation cocasse et du décor à s’en péter le bide de rire. C’est exagéré ? Non. Zorglub est un sale gosse, Champignac, un doux rêveur et Spirou doit gérer tout cela. Vehlmann en fout plein la trombine au militaire (Franquin aurait adoré). Donc voilà un « Spirou et Fantasio » qui est enfin un vrai et génial « Spirou et Fantasio » dans la digne lignée des meilleurs du côté de « Spirou et Fantasio »
Le dessin me plait beaucoup. Même s’il vaque trop prés du manga à mon gout, le style est vif, acéré et alerte. Et il y a des cadres qui ont de la classe, des couleurs qui font de l’ambiance et des décors qui ont une vraie présence. L’ancrage épais me plait beaucoup. Yoann a une autre manière de dessiner les gros nez qui me plait dans cet opus.
Une série qui commençait de façon prometteuse. Et qui se termine dans un chaos scénaristique. Comme quoi, il ne suffit pas de faire du steampunk pour faire quelque chose d'intéressant.
Fan de la série Blueberry, il m’etait plus que nécessaire d’également me replonger dans celle de Comanche. Très peu lue quand j’étais gosse, mon meilleur souvenir reste Le Désert sans Lumière que j’ai lu et relu à l’époque. Et j’étais déjà sous le charme des dessins d’Hermann.
C’est donc avec un réel plaisir que j’ai découvert ce tome, fort plaisant et réussi. Un bon scénario de Greg, et toujours un trait parfait d’Hermann. Un plaisir de lecture, il me tarde d’en relire d’autres.
Je découvre l'artiste Sylvain Repos et le moins que je puisse dire, c'est qu'il est pétri de talents. Ses robots, malgré qu'ils soient muets dégagent un réel charisme, les couleurs sont soigneusement choisies pour mettre en valeur le dessin global. C'est à la fois chatoyant et inquiêtant quand nécessaire. La mise en scène et le découpage sont tellement inspirés et fluides qu'on se croirait dans un animé. Faut voir la vivacité et la précision des scènes d'action ! Un régal pour les yeux, sans jamais se sentir perdu. C'est 148 planches qui passent à une vitesse hallucinante.
Là où ça coince pour moi, c'est au niveau scénaristique. Je ne m'y retrouve pas, un peu trop plat, sans grand enjeux ou thèmes qui feraient vibrer ma corde sensible. Même les scènes qui se devaient être marquantes émotionnellement m'ont laissé de marbre. Cependant, je pense que ça devrait suffire/contenter un public plus jeune.
Pour conclure sur mon ressenti, "Yojimbot" c'est le savoir faire d'un artiste qui a su mixer les codes esthéthiques de la BD Franco-Belge, du Manga et du Comics pour en tirer le meilleur.
Mathieu Bablet, grand adepte de la religion woke (à tel point qu’il a carrément réécrit une partie de sa BD Adrastée, parce que ça faisait trop de droite), nous offre une fable écologique sur un monde en ruine dont une partie de la population souhaite réintégrer la pollinisation des abeilles.
Cette fable fait l’apologie :
- de l’euthanasie humaine (suicide assisté)
- du marxisme/communisme, où rien n’appartient à l’individu et tout appartient au collectif et où il n’y a aucun chef principal
- d’une certaine idéologie que je n’ai pas besoin de nommer avec un personnage qui se nomme « Mèrepère »
... entre autres. La pollution, bien sûr, joue un rôle ici, et même si je suis d’accord, par exemple, avec l’idée que les microplastiques sont dangereux, la manière dont l’idée est amenée est pédante et moralisatrice.
Bablet réussit tout de même, comme d’habitude, à nous offrir une belle vision de monde apocalyptique; ses dessins de paysages sont toujours aussi beaux. Mais après 300 pages, j’aurais aimé avoir une fin, ce que, bien sûr, nous n’obtenons pas vraiment.
Bref, si vous voulez vous confesser au confessionnal de l’évêque Bablet, et que vous adhérez à sa vision du monde, cette BD est pour vous! Moi, je préfère encore lire des BD qui ne sont pas prises sous un joug idéologique.
« On peut parfaitement s’enchanter du monde dans lequel on vit, tout en étant terrifié de la direction dans laquelle il va. »
À quoi pensez-vous que Bablet fait référence, ici? C’est à peine voilé. Mais bon, je suis aussi d’accord! De savoir que des gens comme Bablet vivent une vie d’opulence grâce à des dessins qui crachent sur cette même société qui leur permet de vivre dans le luxe, l'abondance et le bien-être, ouf, ça me terrifie!
Une note volontairement surestimée pour contrebalancer les tenants des habituels discours "c-était-mieux-avant-holala-mon-dieu-ils-ont-trahis-le-grand-franquin-quelle-misère-dêtre-tombé-si-bas-ouin-ouin" auxquels il convient de rappeler que "Les chapeaux noirs" n'a rien d'un chef d’œuvre et que rien ni personne n'a le pouvoir de leur rendre leur enfance largement idéalisée. Au regard de la qualité extraordinaire de la bande dessinée actuelle, l'âge d'or de la bande dessinée, c'est maintenant. Quant à ce Seccotine, achetez le d'urgence mais pas pour vous... pour vos enfants et petits-enfants... ça les décollera de leurs écrans-fabriques-à-neuneu. ET plutôt que de geindre sur votre passé, cherchez plutôt à transmettre ce qui est beau. Car oui, si c'est un produit marketing de la part des éditions Dupuis, il n'en demeure pas moins que les auteurs ont livré une prestation digne des bons Spirou (et on est bien d'accord, les meilleurs était signés Franquin... les plus mauvais aussi) avec une mise en couleur maîtrisée... la maîtrise est d’ailleurs ce qui caractérise les auteurs de cette génération. Au lieu de gâcher le plaisir de vos enfants, retrouvez la générosité de Franquin et offrez cet album!
Ce n'est pas mal du tout.
Je ne connaissais pas du tout cette théorie de la disparition de Paul dans les années 60.
Comme toujours dans les albums de Félès, il manque un petit dossier historique, mais il y a une note des auteurs qui est bienvenue.
On ressent bien la tention voulue par les auteurs tout au long de l'histoire.
Graphiquement cette "BD" est très particulière. Elle est issue du cerveau d'un graphiste.
Mais ça se lit sans déplaisir. Elle restera dans ma bibliothèque et ressortira bien un jour pour une relecture.
Une aventure particulièrement standardisée de Percevan et Kervin: une scène du quotidien perturbée par une créature en détresse, un traitre que l'on voit tout de suite venir avec ses gros sabots, et une menace épique... Rien de neuf, donc, si ce n'est le plaisir de retrouver le dessin toujours aussi solide de Philippe Luguy. Et ça c'est toujours incroyable !
Malgré la fait que cet album commence environ 10 mois après le 3eme au niveau chronologie, pour moi et malgré les a priori c'est le meilleur des 4 tomes. C'est plus profond au niveau du scénario, certains personnages prennent de l'ampleur pour le plus grand bien de la série.
Par contre j'avoue ne pas avoir lu toutes les cases liés à la joute verbale car tout simplement cela n'a aucun intérêt.
On connaît tous ce récit de la mission Apollo qui a permis aux américains de remporter la course à l'espace initiée quelques années plus tôt par le Président Kennedy. On n'a pas retenu que c'est cependant sous l'ère Nixon que cet exploit a eu lieu.
Par ailleurs, cette BD semble montrer des détails qui jusque là étaient passés un peu inaperçus comme cette rivalité entre Neil Armstrong et Buzz Aldrin sur le fait de savoir quel serait le premier homme a posé le premier pas sur la Lune. Il y a eu beaucoup de tension et surtout de frustration de la part du pilote Buzz Aldrin car généralement le commandant restait à bord comme cela se faisait sur les autres missions spatiales.
Cependant, la NASA a décidé de modifier ce plan et permettre au commandant Neil Armstrong de sortir le premier du module lunaire car il était calme et discret avec un égo maîtrisé ce qui n'était pas forcément le cas de Buzz. Par ailleurs, Armstrong est civil alors qu'Aldrin est militaire et l'agence voulait éviter que l'exploit soit interprété comme un acte de conquête militaire. Certes, il y avait également des raisons pratiques et techniques comme le fait que l'accès à la trappe était plus simple pour Armstrong.
Buzz est jaloux et furieux qu'on ne lui réserve pas cet honneur et il fera une sorte de lobbying quelques mois avant le décollage pour modifier cette décision sans y parvenir. Bref, il ne sera que le deuxième homme a posé le pas sur la Lune . Or l'Histoire ne retient généralement que le premier. Forcément, il a été profondément déçu. Du coup, il me vient une petite pensée émue pour Jordan...
Après la mission, Armstrong se met en retrait médiatique en donnant peu d'interviews alors qu'Aldrin, au contraire, devient très présent. Voilà pourquoi dans « Toy Story » des studios Pixar, il y a Buzz l'éclair et non Neil. Il faut dire également qu'Aldrin reste une figure majeure et admirée du programme Apollo.
Cette BD ne satisfait pas à tout ce qu'on pouvait en attendre, c'est certain. Reste de beaux paysages lunaires dans un graphisme soigné. Au niveau du scénario, allo La Lune ?
J'ai apprécié la lecture.
Tout ceci m'était totalement inconnu, j'aurais d'ailleurs apprécié avoir un dossier ou plus d'informations durant l'épisode décrit.
Il manque quelque chose dans le scénario, il est trop axé sur une petite partie de toute cette affaire et c'est bien dommage.
Cette BD méritait plus de profondeur.
Le choix du lettrage est raté, je ne comprends toujours pas pourquoi et comment ça peut arriver aussi souvent de choisir un lettrage en désaccord avec le dessin, ou pourquoi ne pas le dessiner, il y a des spécialistes pour ça.
L'édition est réussie, un bel album, du beau papier, de belles affiches.
Au hasard d’une brocante, j’achète cet opus de PLANTU sur l’année 1999 dont il dresse un panorama édifiant avec son humour grinçant habituel et apprécié au quotidien par les lecteurs du MONDE … près d’un quart de siècle nous sépare et pourtant …
Il y a déjà et encore la guerre en Europe, c’est l’année du Kosovo avec la dernière intervention militaire de l’OTAN en Europe, les massacres font la une des médias, c’est l’an 1 de l’Euro déjà fort décrié même si l’Europe prône la croissance plutôt que l’austérité budgétaire, en France c’est la cohabitation, l’immigration semble au coeur du débat politique, on parle aussi de durcir les sanctions pour juguler les violences, l’allègement des programmes (mais pas que) et grèves sont à la une pour l’Éducation nationale, la zizanie interne règne au Front National, la PAC est contestée, la finance est au mieux, et le nucléaire fait débat, dans le monde scandales sanitaires, politiques, boursiers sont monnaies courantes, le Moyen Orient est toujours à feu et à sang, des manifestations étudiantes sont réprimés dans le sang en Iran, mais est-ce bien plus important qu’une paillote qui brûle sur une plage corse pour le microcosme politique français …
Et pourtant, il n’y aura même pas le bogue de l’an 2000, le 31 décembre à minuit …
Cette plongée dans le passé m’a seulement montré que rien, vraiment rien n’a réellement changé depuis dans notre actualité quotidienne. Dois-je m’en réjouir ou m’en plaindre : difficile de répondre, je vous en laisse juge …
Et n’hésitez pas à lire et regarder en profondeur les dessins de PLANTU, souvent beaucoup plus révélateurs que de longs commentaires, et même s’ils ne font plus la une du journal Le Monde et peuvent donc dater, ils demeurent très souvent très parlant sur l’état du monde aujourd’hui.
Si le dessin de Paul Salomone nous permet d'accéder à toute la beauté de son univers et ses couleurs dans "Celle qui fit le bonheur des insectes", c'est à Zidrou qu'on doit l'écriture et le talent de conteur qui m'a transporté dans cette histoire, car le texte me parle et s'accorde superbement avec les illustrations avec l'impression de lire une fable sur la vie, aussi bien dans la joie que dans le drame.
Zidrou et Paul Salomone parviennent à canaliser leurs idées et trouvailles pour délivrer une œuvre ni trop légère, ni trop surjoué. Le découpage est très réussi, chapitré et synthétique avec plusieurs constructions de cases originales et particulièrement touchantes. On retrouve également des plumes et différents volatiles, déjà plébiscités dans "Des plumes & Elle" en 2018 de Paul Salomone.
Coté illustration, c'est coloré et reflète une ambiance orientale et arabe liée au royaume imaginaire de Shandramabad dans lequel le récit évolue. Les personnages (Jalna, Shikara, Akbar, Gorakh) sont vraiment soignés, tout comme le mouvement, avec parfois des gros plans remplis de forces et d'émotions. Quelques visages sont un peu trop caricaturaux graphiquement à mon gout (par exemple la reine Shikara qui commence à avoir des mimiques étranges sur la fin du one shot), mais c'est suffisamment touchant pour retenir mon attention.
"Celle qui fit le bonheur des insectes" est un récit réussi par son approche, sa mise en scène et sa sensibilité, il est la preuve que le duo Zidrou/Salomone fonctionne bien ; d’où surement le retour réussi du duo avec "La Crevette" sortie 3 ans plus tard (2025).
Série que je ne connaissais pas, plutôt intéressante avec des dessins corrects, une bonne dose d’action également.
Totalement passée inaperçue donc, le genre de série qui fait un peu penser aux classiques qu’on pouvait retrouver dans le magazine Tintin, tels que Bernard Prince, Bob Morane et autres héros de l’époque. Malheureusement, celle-ci n’est pas vraiment indispensable, au contraire des grands classiques.
Une fois de plus je succombe à une réadaptation d'un classique de la littérature et une nouvelle fois j'ai apprécié ce "Frankenstein", surtout pour son style graphique. Le travail en noir et blanc et les forts contrastes créent une ambiance gothique très immersive, donnant parfois l'impression de regarder un vieux film fantastique. Les compositions de planche sont soignées et la créature est représentée de manière très expressive : On ressent autant sa souffrance que sa colère. En revanche, certaines scènes sont volontairement floues, privéliégiant l'aspect graphique à la compréhension scénaristique.
Côté scénario, l'histoire met davantage l'accent sur la relation entre Victor Frankenstein et sa créature que sur l'action (attention, cette dernière est explicitement violente), ce qui rend le récit plus touchant et pousse à réfléchir sur la responsabilité et le rejet. Même si le rythme est parfois un peu rapide, s'assimilant à un simple slasher, l'ensemble est cohérent et l'identité visuelle de l'album en fait une adaptation marquante.
Voir l'oeuvre de George Bess si on souhaite des personnages mieux développés et des réflexions plus approfondies.
== Avis pour les 2 premiers tomes ==
J’ai lu deux tomes et j’ai décidé que j’en avais assez lu. Sky Wars (ou Lindbergh en VO) est un shônen dans sa plus pure tradition.
Si le monde construit par Ahndongshik est intéressant, avec une ville bâtie sur le dos d’une créature géante (un Lindbergh) dont les habitants ne connaissent même pas l’existence, le développement du récit est excessivement standard et sans originalité. Notre jeune héros veut voir le monde, il s’enfuit de son île avec un pirate de l’air au caractère dur mais au grand cœur, et ils devront combattre des méchants ensemble. À la fin du tome 2, une course de Lindbergh s’’apprêtait à avoir lieu, une autre thématique bien classique, où notre héros devra prouver de quel bois il se chauffe.
Série qui pourrait s’avérer plaisante pour les plus jeunes. Moi, je n’y ai pas trouvé mon compte!
Un album qui nous renseigne sur un fait divers méconnu : le vol de la Coupe du Monde, quelques mois avant le début du Mondial en Angleterre en 1966. Pourtant grand amateur et connaisseur du ballon rond, je ne connaissais absolument pas cette anecdote !
Si j'ai aimé cet album, c'est davantage pour avoir eu la possibilité de découvrir ce fait historique que pour ses dessins et son scénario qui, il faut l'avouer, demeurent très simplistes.
C'est dommage, le scénariste tenait un bon sujet.
Malheureusement, le scenario n'est pas assez travaillé, il manque le suspens, le drame, l'interrogation, le but.
Le dessin est très correct, certaines cases sont même même très réussies. Même si je n'apprécie pas la colorisation bien trop "numérique".
Scénario ambitieux qui mêle mythologie et réflexion philosophique mais dont le rythme contemplatif et la distance émotionnelle provoquée par un personnage principal exsangue peuvent limiter l'implication du lecteur.
La direction artistique est remarquable : compositions monumentales, décors foisonnants, maîtrise des couleurs et du cadrage créent un univers aussi spectaculaire que mélancolique. Une œuvre marquante dont l'impact repose avant tout sur sa puissance visuelle.
Le glossaire en fin de BD est bien vu, car il n'est pas donné à tout le monde de connaître les grandes lignes de la mythologie grecque.
J'y ai trouvé une comparaison vidéoludique clairement inspirée de l'univers de Fumito Ueda (Ico, Shadow of the Colossus, The Last Guardian) pour lequel il est tout bonnement impossible de donner une notation. C'est un ressenti, une sensation avant tout.
Le comics du XXIème siècle est parfois bien compliqué à lire.
Si j'avais 10 ans, ce type de lecture ne me plairait sûrement pas.
Swamp Thing infinite est pourtant une histoire sympathique,.mais par chance l'album 1 est résumé au début de l'album 2 (j'avais bien raté certaines choses). Les scénaristes chez DC et Marvel se veulent parfois un peu trop mystérieux à mon gout, et le dessin suis, se complexifie et n'aide pas toujours à démêler le présent, le passé, le rêve, l'imagination, les dimensions.
Bref, je préfère de loin les comics pre-2000.
Dans la lignée du style d'Ana Mirallès avec la série "Djinn" en collaboration avec Jean Dufaux, "Eva Medusa" explore avec Antonio Segura au scénario des themes comme le désir, la sorcellerie et l'amour. A la manière de l'envoutant "Fulù" (5 tomes) de Carlos Trillo et Eduardo Risso dans la même collection Grafica ; les deux séries ont un point en commun : une femme porte en elle le passé ancestrale et divins qui lui révèle des pouvoirs au delà du normal. Ici, c'est l’événement d'une nouvelle naissance, Erzulie souhaite faire renaitre sa fille d'Ezili, divinité de beauté et d'amour issu du vaudouisme entrainant son prochain dans l'adversité et la folie, jusqu’à une possible révolution du peuple subalterne envers leur maitres.
L'histoire en 3 tomes trouve son rythme entre les villes de Manaus et Belèm, avec de la sorcellerie vaudou et son lot de scènes érotiques. Le premier album de la série introduisant le personnage principal de Maria, dont Eva medusa (une forme de réincarnation liée à Ezili) prendra possession. Le second tome apparait d'autant plus sombre, à bord du vapeur "Menino Jesus". Pour clôturer par le troisième et dernier tome de la série, où la fatalité de l'arrivée de la réincarnation d'Ezili dans le monde des hommes. C'est malheureusement et en définitive un final décevant qui conclura le triptyque avec une impression que la fin du scénario ne prend pas le temps des explications, ni d'un épilogue digne de ce nom : 3 cases à la fin de la dernière planche pour un épilogue, c'est malheureusement trop court pour sortir de cette envoutante aventure. De plus, le récit a du mal à concrétiser et canaliser les différents arcs narratifs en laissant en suspens certains éléments et personnages qui n’apparaissent plus d'un tome à l'autre ; il y a d'ailleurs trop de personnages secondaires qui ne semblent qu'avoir qu'un rôle mineur dans le déroulé du récit et en définitive ralentissent et polluent une partie de l'intrigue : Señor Damian et ses 3 sulfureuses maitresses - ce dernier a également une trop grande ressemblance avec Gonzalo, hormis sa taille, Angelika et son secret bien gardé, Calima la porteuse de l'enfant prodige.
Au niveau des illustrations, Ana Mirallès a le sens des ambiances et arrive à créer des scènes dramatiques et rites de sorcelleries intenses (rappelant là aussi le 2ème cycle de Djinn empreint au mêmes croyances de la culture africaine), mais aussi des paysages d'une grande richesse avec de magnifiques couleurs. Par le choix des pigments et nuances, elle crée une forme d'ambivalence entre le bien et le mal, entre sérénité et danger. Par son trait épuré et très sensuel, son aisance à dessiner les corps et le mouvement, les scènes érotiques sont d'autant plus forte et touchante.
Une belle entrée en matière dans le monde de l'illustratrice (Ana Mirallès) qui se dépassera quelques années plus tard dans la série "Djinn". Dans tous les cas, "Eva Medusa" possède son caractère dans l'écriture et les personnages, même si je regrette certains choix narratifs et le coté trop manichéen du mal, je ne peux que saluer le travail de qualité effectué pour la série, ainsi que la très belle intégrale proposée par Glénat avec une couverture épuré et symbolique évoquant le mélange d'aventure et d'érotisme.
Un peu déçu par cet album dont j'attendais beaucoup.
Certes comme sur le premier Lucky Luke "revu" par Mathieu Bonhomme, l'auteur a le talent de nous faire un Lucky Luke en y apportant une touche très personnelle qui ne dénature pas le mythe mais le transcende. Cela est vrai pour le scénario (cow boy solitaire engagé dans une histoire de l'ouest), pour les personnages secondaires (Jolly Jumper, les Daltons), pour le dessin (par exemple on reconnait parfaitement Lucky Luke or chaque détail qui le compose est différent de l'original).
Alors pourquoi un peu de déception? C'est dû à l'histoire qui à la fois s'éternise et qui aborde trop de sujets en les traitant trop sommairement. Tout cela conduit a un récit mou (sauf dans les dernières pages de l'album). En effet le livre aborde Trump(ici appelé Cramp), le bon indien (dans une pale version du "Soldat Bleu" pour les nostalgique des westerns des années 70), le rapport à l'enfance (aussi traité par Blutch de façon somptueuse), la fable écologique. Tout cela fait beaucoup pour un seul livre même de 80 pages.
Le trop plein nuit à la qualité de ce livre qui malgré tout est facile à lire.
Une série assez bizarre, que l'on pourrait qualifier d' "aventures pré-adolescentes burlesques". Un mélange de "Cliub des cinq" et de Laurel et Hardy, mélangeant donc des enquêtes enfantines et des gags à la manière de Quick et Flupke ...
Ça a le mérite d'exister mais c'est à peu près son seul mérite, parce qu'il n'y a rien de très palpitant ni très passionnant ici.