Retour sur Back in Black, premier album d’AC/DC avec Brian Johnson. Le groupe de hard rock australien atteint avec ce disque un nouveau sommet artistique.

9 août 1980 : AC/DC est n°1 au Royaume-Uni avec Back in Black

Depuis plus de quatre décennies, Back In Black d’AC/DC fait sans doute partie du panthéon des plus grands disques du rock. Avec des ventes estimées à plus de 50 millions d’exemplaires (!), il est le deuxième album le plus vendu de tous les temps derrière Thriller de Michael Jackson.

S’il a acquis son statut de star en tenant fermement le micro au sein d’Iron Maiden, Bruce Dickinson n’a pas à rougir de sa carrière solo. Après dix-neuf ans sans donner de suite à Tyranny of Souls, l’artiste touche-à-tout britannique opère un retour spectaculaire avec The Mandrake Project. Interview.

7 août 1958 : naissance de Bruce Dickinson, chanteur d’Iron Maiden 

19 ans. C’est le temps qu’il aura fallu à Bruce Dickinson pour ressortir un album solo. Après des années tumultueuses partagées entre les géants du heavy metal britannique Iron Maiden, pour qui il assure le chant, et les épreuves de la vie, il revient sous son propre nom avec l’énigmatique The Mandrake Project. S’il martèle qu’il “ne s’agit pas d’un concept album”, il a néanmoins été travaillé sous toutes ses coutures et se permet même d’être transmédia, puisqu’il est lié à un roman graphique également écrit par le frontman. “L’album peut exister indépendamment du roman graphique auquel il est lié. Certains textes peuvent être déroutants pour ceux qui n’ont pas lu l’histoire, mais ce n’est pas un problème. Le roman graphique permet d’en savoir plus.”

Ainsi, des morceaux, comme “Afterglow of Ragnarok” et “Many Doors to Hell”, le diptyque d’ouverture, peuvent être pris de manière indépendante. Passionné de comics – en témoigne le T-shirt Watchmen qu’il arbore fièrement –, l’artiste britannique a voulu inclure cette dimension dès les premières étapes de la conception du disque. Si les deux œuvres diffèrent aussi bien dans leur nature que leur contenu, elles ont été pensées en même temps et comportent le même titre. “J’ai fait des recherches sur les effets hallucinogènes de la mandragore. J’ai donc trouvé The Mandrake Project, un titre qui n’avait jamais été utilisé pour un album auparavant. Ce fut l’étape finale de sa conception.” Il est ainsi le résultat d’un soin particulier apporté à une œuvre multiple.

Une minutie qui s’explique simplement : “Je ne veux pas sortir d’album solo machinalement. Dans cette industrie, il est très facile de s’enfermer dans des carcans et d’avancer comme un somnambule.” Une vision qu’il rejette avec ironie : “19 ans, ce n’est pas un carcan !” (Rires) Ce soin apporté à l’œuvre est le résultat d’une longue gestation. “Roy Z (guitariste et producteur, ndla) et moi nous sommes concertés pour faire une suite à Tyranny of Souls en 2014. Nous avons assemblé quelques démos et avons attendu une opportunité de finaliser ce disque, mais elle ne venait jamais.” Si l’idée est venue il y a dix ans, certains morceaux présents sur le disque sont encore plus anciens. “Le dernier, ‘Sonata (Immortal Beloved)’ est né il y a plus de vingt ans. J’avais oublié que je l’avais écrit. Roy Z me l’a envoyé, je l’ai écouté avec mon épouse. Elle m’a convaincu de l’inclure dans le disque.”

Ce laps de temps s’explique aussi par des circonstances diverses. “Roy Z et moi avons été séparés en partie à cause de mon emploi du temps avec Iron Maiden.” Mais le sextet britannique n’est pas la seule raison du retard pris dans la conception de cet album. “J’ai eu un cancer de la gorge [en 2015] dont j’ai mis un an à me remettre. Nous avons ensuite tourné une année entière avec Iron Maiden pour rattraper le temps perdu. Puis le monde s’est confiné, et voilà !” Une longue gestation qu’il résume avec philosophie : “L’attente était frustrante, mais a tout de même été fructueuse. Elle m’a permis d’enrichir mon écriture.”

L’écriture de Bruce Dickinson est également enrichie par ses nombreuses expériences. Il multiplie les casquettes, qu’il s’agisse de celle de pilote de ligne ou d’animateur radio, mais manie également le fleuret “depuis l’enfance”. Après une pause prise autour de ses 20 ans, il reprend l’escrime après la tournée de The Number of The Beast, son premier album enregistré avec Iron Maiden – “Si je ne faisais pas autre chose que de la musique, j’allais perdre la tête”, se souvient-il –, avant d’arriver à un niveau de compétition. Cette discipline l’accompagne dans Iron Maiden, notamment dans “Flash of the Blade” qu’il signe dans Powerslave (1984), où il évoque les “anciennes techniques d’escrime”. Il s’inspire également du célèbre escrimeur japonais Miyamoto Musashi dans “Sun and Steel” (1983). Au-delà des compositions en elles-mêmes, il “incorpore des pas d’escrime sur scène. Dans ‘Death of the Celts’, j’inclus certains exercices, ce que mon maître a tout de suite remarqué !”

Mathieu David

Retrouvez cette interview de Bruce Dickinson en intégralité dans Rolling Stone n°160. Il est disponible en kiosque et via notre boutique en ligne. Commandez-le dès maintenant avec la couverture que vous préférez. Choisissez entre Eric Clapton et le chanteur d’Iron Maiden.

La légende Stevie Nicks revient sur sa carrière tout en gardant son avenir artistique à l’esprit avant son passage au Saturday Night Live.

6 août 1981 : sortie de Bella Donna, premier album solo de Stevie Nicks

Chaque seconde semble une éternité quand vous flottez à dix centimètres d’une Stevie Nicks jouant avec son chemisier. Cette même Stevie Nicks, première femme à avoir été intronisée deux fois au Rock & Roll Hall of Fame – en tant que membre de Fleetwood Mac et en tant qu’artiste solo. Cette même Stevie Nicks dont la légendaire collection de châles séjourne à l’abri d’un coffre-fort dont la température peut être contrôlée à distance. Cette même Stevie Nicks qui, à 76 ans, est devenue incontournable auprès des plus jeunes générations depuis son apparition dans la série American Horror Story, jusqu’à ce poème qu’elle a écrit pour Taylor Swift et son album The Tortured Poets Department, sans parler de cette récente vidéo devenue virale sur TikTok où elle toise son ex-boyfriend et associé, Lindsey Buckingham, lors d’une captation de “Silver Springs”, en 1997.

C’est encore cette même Stevie Nicks dont la longue bague en or et tout en spirales vient de se coincer dans les mailles de son chemisier, nécessitant l’intervention express et rapprochée de l’intervieweuse tout juste rencontrée quelques minutes plus tôt. “Ça m’est arrivé [récemment, ndla] sur scène, confie-t-elle à ce sujet. Elle s’est coincée dans ma cape ‘Gold Dust Woman’, et le plus bel homme de toute la tournée a accouru pour se mettre à genoux devant moi et essayer d’arranger ça. Je me suis sentie comme une princesse dans Cendrillon.”

Elle est à Philadelphie depuis trois jours, concluant une grosse tournée en même temps qu’elle enregistrait une chanson de Noël avec l’ancienne star de football américain, Jason Kelce. Stevie Nicks n’a jamais paru aussi prolifique et motivée. Un lien avec le fait d’être… débarrassée de ce fameux groupe qui l’a rendue si célèbre ? La mort, en 2022, de Christine McVie semble avoir clairement marqué la fin de Fleetwood Mac. Stevie Nicks assure en tout cas en avoir terminé avec lui, bien plus concernée par cette tournée de deux ans en solo sur le point de toucher à sa fin, avec ses deux soirées au Hersheypark Stadium précédant notre conversation.

Dans quelques heures, ils seront des millions à assister à sa participation en tant qu’invitée musicale au show TV “Saturday Night Live” pour la première fois en plus de quarante ans. Quand elle prendra possession de la scène du Studio 8H, ce sera pour interpréter “The Lighthouse”, le récent hymne pour les droits des femmes qu’elle a écrit dans la foulée de l’annulation de l’arrêt fédéral Roe vs Wade [qui garantissait, depuis 1973, le droit d’avorter sur tout le territoire américain avant d’être annulé par la Cour suprême américaine en juin 2022, ndt]. Soutenu par la guitare de Sheryl Crow, ce titre très rock et cathartique voit Nicks se comparer à un phare guidant les femmes et les encourageant à faire valoir leur force.

Où préférez-vous que je m’assoie ?

Vous êtes très bien où vous êtes, tant que vous ne pensez pas avoir le Covid.

Non, je ne l’ai pas.

Dieu soit loué, on en finit [avec la tournée] pour un moment. Je vais pouvoir rentrer chez moi et ne plus avoir à porter un masque en permanence. Quand tu es chanteuse avec de l’asthme, tu ne peux que détester ces masques, mais j’en porte. Les gens me regardent de travers. Mais pour qui se prennent-ils ? J’ai envie de leur dire : “Vous savez quoi ? Je suis Stevie Nicks, et si je tombe malade, c’est tout le truc autour de moi qui s’effondre. Quarante familles au chômage. Donc voilà pourquoi je porte un masque, connard.” Je ne peux pas l’attraper à nouveau. Je suis âgée, je ne suis là que pour encore quinze ans. Mais vous, vous en avez pour encore trente ou quarante ans, vous devriez donc y réfléchir.

Quinze ans, c’est assez précis.

Je vais probablement vivre jusqu’à 95 ans. Ce n’est pas tant que je le veuille, honnêtement, c’est trop vieux. Ma mère est morte à 84 ans, mon père vers les 80, mais je suis plus jeune à 76 ans qu’ils ne l’étaient au même âge. Donc oui, j’imagine 88, 89 ans.

La mort vous fait-elle peur ?

J’ai plus peur de laisser des choses inachevées. Je suis tellement occupée. C’est notamment pour ça que je suis contente que cette tournée se termine : je peux travailler à un album. Je n’ai pas pu me consacrer à tant d’activités créatrices depuis des années et des années. Je dessine, je compose des chansons, j’écris des poèmes. J’aimerais créer un parfum car il y a en ce moment une senteur que j’adore. J’aime concevoir des couvertures, avec une préférence pour celles en cachemire. C’est ce que j’achète à mes amis dans les occasions spéciales. C’est Don Henley et J.D. Souther qui m’avaient emmenée en 1977 dans une boutique de Los Angeles appelée Maxfield Blue, juste Maxfield aujourd’hui, où j’avais acheté ma première couverture. Ça me fait rire quand j’y repense, comment ils m’ont appris à dépenser mon argent, ces deux-là.

J.D. nous a quittés récemment. Vous avez été ensemble brièvement par le passé.

Ce fut une terrible tragédie, vraiment. Puis il y a eu Kris Kristofferson. [Mon assistante] est venue me dire quelque chose aujourd’hui et elle a commencé sa phrase par “Donc, Stevie…” Et maintenant, à chaque fois qu’elle me lance un “Donc, Stevie…”, je lui réponds : “S’il te plaît, ne m’annonce pas que quelqu’un d’autre est mort. J’aimerais autant que tu arrives, dises mon non, mais sans ce ‘donc’ devant parce que ça m’incite à envisager le pire, parce que nous vieillissons.”

Sur quelles nouvelles idées musicales travaillez-vous ?

J’en ai tellement pour les chansons que je veux faire. Il y en a certaines que je n’ai pas écrites moi-même et pour lesquelles il faut que j’appelle ceux qui l’ont fait afin de leur demander si ça leur dit que je les chante. J’ai aussi tellement de poèmes qui peuvent être mis en musique. J’en ai écrit un à propos d’une des héroïnes féminines de Chicago P.D. [Chicago Police Department], l’une de mes séries criminelles préférées. C’est comme un médicament pour moi, j’ai trop hâte de me poser devant un piano. J’ai aussi écrit une chanson que j’ai appelée “The Vampire’s Wife” qui est, à mon avis, l’une des meilleures que j’ai composées. Parce qu’un peu comme “Rhiannon”, c’est l’histoire d’un personnage. Qui sait, il se pourrait bien que j’appelle le prochain album The Vampire’s Wife.

Angie Martoccio

Retrouvez la suite de cet entretien avec Stevie Nicks dans notre n°169, disponible en kiosque et via notre boutique en ligne.

Yungblud évoque son hommage à Ozzy Osbourne, sa collaboration avec Eddie Vedder, son virage classic rock sur « Idols » et plus encore dans notre nouvel entretien.

5 août 1997 : naissance de Yungblud

L’album de la consécration de Yungblud en 2025, Idols, s’est avéré être une prophétie auto-réalisatrice. Il a écrit des chansons sur son adoration pour ses héros du rock, pour finalement se retrouver adoubé par ces mêmes légendes dans la vraie vie. Ozzy Osbourne a choisi Yungblud pour ce qui s’est révélé être une performance bouleversante de « Changes » lors de son ultime concert, et Yungblud a enchaîné en enregistrant avec Aerosmith (pour un EP entier) et les Smashing Pumpkins.

L’acteur devenu chanteur, né Dominic Harrison, a conquis le Royaume-Uni au cours des huit dernières années avec ses trois premiers albums, oscillant entre une fusion hip-hop/punk insolente et des moments plus pop. Mais après avoir plongé dans ses influences classic rock sur Idols, il a enfin percé aux États-Unis, décrochant trois nominations aux Grammy Awards et une énorme tournée pour 2026. Sa nouvelle notoriété et son flamboyance — l’eyeliner, le torse nu fréquent, le pantalon en cuir — attirent quelques détracteurs virulents, mais il s’y est habitué. « Beaucoup de gens ont beaucoup de choses à dire sur moi », dit-il. « Mais je suis là pour ça. »

Vous avez dû annuler quelques concerts. Comment vous sentez-vous ?

Yungblud : Je me fais toujours examiner après chaque tournée, surtout après cette année. J’ai tendance à courir et courir jusqu’à ce que les roues lâchent. Je crois que je suis fait comme ça. C’était la première fois que je recevais un avis médical impératif. Ils m’ont dit : « Tu as 18 mois de tournée qui arrivent. On pense que tu devrais annuler quelques dates à la fin de cette année. » Et je suis assez reconnaissant pour ça, honnêtement, parce que l’année a été tellement dingue qu’il me fallait du temps pour comprendre et assimiler tout ça. Je repars en tournée en janvier et ça dure jusqu’à mi-2027 maintenant. Donc je pense qu’il est important de prendre ce temps, de vraiment traiter ce qui se passe et d’en être reconnaissant.

Les gens oublient qu’émotionnellement, le succès peut parfois être tout aussi dangereux, sinon plus, que l’échec.

Surtout si tu ne le digères pas. Tu rencontres des gens amers dans cette industrie vers la fin de leur carrière, c’est parce qu’ils n’ont pas assimilé ce qui leur est arrivé. Je ne cesse de dire « reconnaissant ». Je pense que la gratitude est le vrai sentiment qui m’habite en cette fin d’année. Je fais ça depuis 10 ans maintenant. Les gens viennent juste de me découvrir, et il faut 10 ans pour devenir un succès du jour au lendemain, n’est-ce pas ? Je veux vraiment tout ressentir et chérir chaque moment qui s’est produit cette année.

Vous avez eu 28 ans en août. J’ai parlé à de jeunes musiciens qui étaient vraiment hantés par l’idée du Club des 27. Est-ce que ça vous a pesé ?

Yungblud : C’est un drôle de vieux cliché. La veille de mes 28 ans, j’étais sur un bateau de Capri à Positano avec ma copine, et la mer est devenue putain de mauvaise. Je rigolais : « Si ça doit arriver, ça va arriver maintenant. » Mais pour moi, 27 ans a été un moment où je me suis vraiment fait face. Je fais ça depuis que j’ai 18 ans. Certains artistes arrivent au monde déjà formés. Ce n’était pas mon cas. Mais quand j’ai eu 27 ans et que j’ai fait Idols, c’était le moment de faire vraiment ce que je voulais. J’ai dû rentrer chez moi et me faire face en tant qu’adulte.

Le plus fou avec le Club des 27, c’est que pour certains — Jimi Hendrix et Kurt Cobain — toute leur carrière légendaire s’est déroulée avant cet âge.

C’est ça qui retourne le cerveau ! Mais ensuite, tu as Bowie, et il a fait ses plus grandes œuvres après ça.

Vous avez été très critique envers votre troisième album éponyme.

Yungblud : Yungblud était un pastiche, une réaction, parce que j’avais peur d’être à la hauteur du cliché que les gens avaient placé sur moi. Il n’y avait pas de voyage, pas de ligne directrice cohérente, pas de sens de l’identité. Mais c’était l’album où j’étais perdu. Cela m’a mené à Idols. C’était un réveil. Mon premier album n’aurait pu être fait par personne d’autre — N.W.A rencontre John Lydon avec un putain de gamin du Nord par-dessus. Weird! c’était moi me découvrant. Yungblud c’était moi étant perdu. J’écoutais ce que les gens voulaient de moi au lieu de ce que je voulais sortir.

Regrettez-vous parfois de ne pas être dans un groupe plutôt qu’en solo ?

Yungblud :  Non ! Putain non ! Je ne suis pas fait pour les compromis. Dans le passé, quand j’ai écouté des avis et que j’ai presque coupé la poire en deux avec quelqu’un, mon art a été merdique. En regardant Steven Tyler et Joe Perry ensemble, le compromis, c’est là que réside la putain de magie. Mais pour moi, ça ne marche pas. Ça me rend juste dingue. Les gens ne réalisent pas que je contrôle tout. L’une des plus grandes idées fausses à mon sujet est que l’industrie m’a tout servi sur un plateau. L’industrie m’a dit d’aller me faire foutre à chaque tournant.

Donc vous dites que vous êtes l’opposé d’un « industry plant » (produit marketing fabriqué par l’industrie).

Yungblud : Je trouve ça vraiment drôle quand les gens pensent ça de moi. Si je suis un pur produit de l’industrie, c’est moi qui ai planté la putain de graine moi-même. Avoir une image distincte est un avantage et un inconvénient, et je pense que vous avez vu les deux côtés. Ça ne me déprime pas. Je pense que c’est marrant. C’est censé être marrant. J’adore lire les commentaires sur moi. C’est juste du carburant.

Mais les gens ne comprennent pas la gravité d’un commentaire sur Internet. Si vous laissez quelque chose de brutal sur la page d’un jeune artiste, il va l’intérioriser. Soit il s’en sortira comme je m’en suis sorti, soit non, et il se tournera vers l’alcool ou la drogue.

Ça peut vraiment tuer quelqu’un. Quand tu es un compte anonyme qui vomit sa propre rage sur quelqu’un d’autre pour se sentir mieux, je pense que c’est la chose la plus dégoûtante que tu puisses faire au monde. Tu es un lâche.

On peut évidemment entendre que vous savez chanter. Mais il y a eu un malentendu parce que l’autotune est utilisé comme effet sur certains de vos disques.

Yungblud :  Laissez-moi vous parler de l’autotune. Le résultat dépend de ce qu’on y met. Croyez-moi, si vous ne savez pas chanter, ça sonne comme de la merde. Mon truc, c’est que parfois je l’utilise, parfois non. Ça dépend du bien du disque et fondamentalement, sans vouloir offenser personne, de comment je veux que ça sonne, putain. Ce ne sont pas les affaires des autres. Si je veux en mettre, je vais en mettre. C’est comme ça que je fonctionne. Si je n’en veux pas, je n’en mettrai pas. Tout est question d’effet et de comment la voix va se frotter à cette putain de ligne de violon. Quand je ferme les yeux et que ça ne me dérange pas, c’est prêt à sortir. Si ça me dérange, ce n’est pas prêt. Il y a des éléments de vérité dans une voix qui n’est pas parfaite. Je ne fais pas d’overdubs pendant 10 prises. Je chante deux fois et j’assemble le tout. C’est ce que je fais. Je rentre, je chante deux fois et puis bonsoir. J’ai pas que ça à foutre de faire 15 prises. Ce n’est plus sincère. Il y a un moment, quand tu as écrit le truc et que tu entres dans la cabine — il y a une peur, il y a le poids du monde, l’univers entier qui te regarde quand tu fixes ce micro. Et après quatre prises, tu mens.

Qu’est-ce qui vous passait par la tête avant de jouer « Changes » au concert final d’Ozzy ?

Yungblud :  Je n’ai pas fermé l’œil de la nuit. Je pensais qu’ils me demanderaient de faire « Sweet Leaf » ou « The Wizard » ou « NIB » — quelque chose où je pourrais devenir fou. Mais ils m’ont donné la ballade, et comme je suis reconnaissant qu’ils m’aient donné la ballade. Je suis sorti devant 50 000 personnes ; 25 000 n’avaient aucune putain d’idée de qui j’étais ; 15 000 à 20 000 me détestaient. Ils pensaient : « Qu’est-ce qu’il fout là ? » Définitivement « l’imposteur », peu importe comment vous voulez m’appeler. Mais j’étais prêt pour ça, parce que je venais de faire un album où j’avais dû me faire face. J’ai presque découvert comment me mettre à nu, abandonner tout ego ou insécurité, et juste dire merci à mon héros. Depuis mes deux ans, j’aime Ozzy. Avant même de comprendre sa musique, je voyais cette silhouette — c’était Batman pour moi. Je m’identifiais à lui parce que j’étais fou, dingue, bourré de TDAH.

Et puis le perdre si peu de temps après…

Ça a été la plus grande vague émotionnelle que j’aie jamais eue à gérer. Les trois semaines avant son départ, on était au téléphone, on s’envoyait des textos, on s’appelait, on était sur la même longueur d’onde.

J’essayais d’apprendre à connaître ce gars que j’aime depuis mes deux ans — sur qui j’avais pratiquement écrit un album, sur lui et Freddie et Mick et Bowie.

Et puis je le perds. C’était presque comme si j’avais manifesté toute cette merde en écrivant cet album, et c’est un putain de trip. Les gens disent les trucs les plus fous sur le fait que je dois porter ça, porter cette lumière. Et c’est dingue, parce que j’ai grandi dans le magasin de guitares de mon père. C’est là que j’ai entendu cette musique pour la première fois. Et j’ai l’impression d’y être à nouveau. J’ai l’impression d’avoir quatre ans, assis sur le comptoir de mon père, et ça sent la colle d’ampli, le fil à souder, la bière et le vieux bois. J’aime putain de trop la musique rock. C’est dans mon sang. C’est là-dedans que j’ai grandi. Et je n’arrive pas à croire que cette année est arrivée. C’est comme dans un film.

Vous travaillez aussi sur un tout nouvel album avec Andrew Watt.

Yungblud :  Idols était extrêmement maximaliste. Je pense que ce que Watt et moi voulons faire, c’est quelque chose d’extrêmement minimaliste, extrêmement live, très « groupe ». On ne va peut-être même pas enregistrer au clic. Je pourrais faire un truc dingue comme ça. J’ai écouté Buckley, Cornell, Weiland et Layne Staley. J’ai vraiment trouvé la puissance de ma voix, et c’est ce dont Watt et moi parlions beaucoup — utiliser ma voix, en faire le point central. Pour le prochain, t’as trois minutes, cinq accords et la putain de vérité, qu’est-ce que tu vas faire ?

Vous avez chanté avec un autre vétéran du rock, Eddie Vedder, en décembre. Avez-vous discuté ?

Yungblud :  Eddie est une telle inspiration pour moi. On s’est vraiment bien entendus. Je pense qu’on pourrait écrire ensemble à l’avenir.

Pour quel projet ?

Yungblud :  Je sais pas. Je sais jamais ! Je rencontre juste ces gars, j’aime ces gars, je m’entends avec eux parce qu’on représente tous les deux des faces différentes de la même pièce. Il y a de nouveau ce magnifique soutien intergénérationnel dans la musique rock, et c’est arrivé cette année.

Par Brian Hiatt
Traduit par la rédaction